DE TANGO EN TANGO

Violinista de Dulce Sonido y exquisito gusto Interpretativo

2012-01-25T20:50:00.006-03:00

ANTONIO RODIO
(25/01/1904 - †01/06/1980)

Antonio Rodio, nacido en la localidad de Crispiano, provincia de Tarento (Italia), hijo de Roque Rodio y Francesca Pumarola; fué violinista, instrumentista, compositor y director. Llega al país de muy pequeño para iniciar luego sus estudios musicales, en 1912 termina su ciclo primario de violín, y en 1918 obtiene su diproma como profesor superior de violín. Inicia su carrera profesional como músico en la orquesta del Teatro Colón; A partir de 1920, comienza actuando como violinista junto a las agrupaciones de Angel Danesi, el Cuarteto de Carlos Marcucci, Osvaldo Fresedo Pedro Maffia, para luego recalar en las típicas de Rodolfo Biagi "El Manos Brujas", Los Poetas del Tango, también acompañando a la cancionista Libertad Lamarque.

Empieza a registrar su primera grabación para el sello "Odeón", en el año 1929, más exactamente, en dúo junto a Enrique Delfino (Delfy). En 1930, con las guitarras de Barbieri, Aguilar, Riverol junto a Rodolfo Biagi en el piano, secundó a Carlos Gardel en varias grabaciones entre las cuales se incluyen: "Viejo Smoking"; "Buenos Aires"; "Aquellas Farras"; "Aromas del Cairo"; "Yo Nací para Tí, Tu Serás para Mí".

Orquesta Típica Antonio Rodio

Junto a Enrique Delfino y el guitarrista Manuel Parada, en la década del treinta acompañaron a grandes figuras. La alineación integrada por Héctor Stamponi, Carlos Parodi, Antonio Ríos, Titi Rossi, Mario Demarco, Eduardo Rovira, Luis Bonnat, Tomás Cuervo, Juan José Fantin, Máximo Mori, Jaime Gosis además de los cantantes Alberto Serna y Mario Corrales, esta fué su primera orquesta formada en el año 1941.

Entre 1943 y 1944 registró 16 discos, con su Típica, debutó en LR4 Radio Splendid (era una de las orquestas mejores pagas y más solicitada). Estuvo actuando también en locales nocturnos más conocidos de la calle Corrientes, de Buenos Aires, además de los Cafés "El Nacional" y "Germinal".

Realizando una gira por distintos países de América en 1945, integra la orq.típica de Miguel Caló, a su regreso a la Argentina, Rodio se incorporaría a otra típica, esta vez la de Francisco Rotundo. En 1949 se radica en Viña del Mar (Chile) definitivamente, incorporándose a la orquesta de Gabriel "Chula" Clausi. En el país trasandino fué integrante de la orquesta de Cámara de Valparaíso; La orquesta de Cámara de la Universidad Católica de Chile y fundador de la orquesta Sinfónica de Viña del Mar.

Como autor le pertenecen: "Rosa Celeste"; "Maldita"; "Igual que Dios"; "Parece Mentira"; "Sin Rabia y sin Pena"; "Angustia"; "Y la Perdí"; "Yerba Mala"; "Mirándote en Los Ojos"; "Si yo Te Contara" y "Cosas Olvidadas", su página más popular.

Antonio Rodio falléce a causa de una afección cardíaca, el 1 de Junio de 1980 en Viña del Mar (Chile).

El "Brazo De Oro" del Piano en el Tango

2012-01-13T23:55:00.007-03:00

JOSÉ "HIPÓLITO" BASSO
(30/01/1919 - †14/08/1993)

José Hipólito Basso, hijo de José Antonio Agustín Basso y Herminia Domínguez, nace en la ciudad de Pergamino (Provincia de Buenos Aires), un 30 de Enero de 1919, fué pianista de Anselmo Aieta, Miguel Padula, José y Emilio De Caro, José Tinelli y estuvo seis años con Aníbal Troilo.

En 1937 ingresa como pianista en la agrupación del bandoneonista Francisco Grillo.

En 1947 se independiza pasando a conformar su propia agrupación, teniendo como vocalistas a Ortega Del Cerro y Ricardo Ruíz. Dos años mas adelante (1949), Francisco Fiorentino "el tano fiore" reemplazaría al cantor Ortega Del Cerro.

Desfilaron por su agrupación ,cantores de la talla de: Rodolfo Galé, Alfredo Belusi, Héctor De Rosas, Juan Carlos Godoy, Eduardo Borda, por citar algunos entre otros...

De su cosecha son las páginas: "De Diez, Siete"; "Brazo De Oro", "Que vas Buscando, Muñeca"; "El Pasado Vuelve"; "Rosicler"; "Amor y Tango"; "Me Estan sobrando las Penas"; "11 y 1"; "Pena, Copa y Tango"; etc.

El primer disco sacado a la venta contenían los temas: "Claveles Blancos" cantado por Ricardo Ruíz y al reverso "El Bulín de la Calle Ayacucho" con la voz de Francisco Fiorentino.

Registró en total 247 grabaciónes comerciales, (221 tangos, 15 milongas, 10 valses y 1 canción), 86 de las cuales son instrumentales.

También compuso junto al escritor Jorge Luis Borges "Milonga Para Los Orientales".

El Maestro José Basso junto a los cantores Alfredo Belusi y Floreal Ruiz

Realizó presentaciones en los más importantes locales nocturnos como: "El Viejo Almacén"; "Caño 14"; "El Rincón de los Artistas", etc.
Además de su paso por los locales nocturnos, también estuvo en los principales programas de TV, como ser: "La Botica del Angel"; "Sabados Circulares"; "Grande Valores del Tango por citar algunos de ellos.

Realiza también una gira por Japón, allá por 1967 visitando casi todas las ciudades del pais del sol naciente.

En 1985 obtiene el premio "Konex" (Diploma al Mérito - Director de Orquesta Típica).

El 29 de Junio de 1990, es nombrado "Académico de Honor", este importante evento se realizó en el "Salón Dorado del Teatro Colón" y estuvo a cargo con motivo de la creación oficial de la Academia Nacional del Tango.

José "Pepe" Basso, falléce el 14 de Agosto de 1993.

Una Relación de Amor - Odio

2012-01-05T19:05:00.008-03:00

MANUEL GALVEZ Y EL TANGO

(18/07/1882 - †14/11/ 1962)

Manuel Galvez, poeta, escritor, ensayista, novellista, revisionista y biógrafo, nace un 18 de Julio de 1882 en la ciudad de Paraná (Provincia de Entre Rios); Son conocidas las diferentes posiciones de los intelectuales argentinos frente al tango, alguno de los cuales llegaron a incurrir en contradicciones.

Al respecto, creemos de interés reproducir , por ejemplo, los calificativos que el tango mereció al consagrado escritor Manuel Galvez, en algunas muestras de su copiosa y valiosa producción literaria. Así al referirse al tango empleó expresiones tales como "un canallesco tango arrabalero" en ("La Maestra Normal"); "los vaivenes pecaminosos del tango" ("Una Mujer Moderna"); "música sensual, canallesca, arrabalera, mezcla de insolencia y bajeza, de tiesura y voluptuosidad, de tristeza secular y alegria burda de prostíbulo, que hablaba en lenguaje de germanía y de prisiones y hacía pensar en escenas de la mala vida, un ambiente de bajo fondo, poblado por siluetas de crimen... ("Historia de Arrabal").

En contraposición a ello, hacia 1904 o 1905, tocó tangos al piano en la tertulia de Lugones ("según contaría en 1961 en su libro "Amigos y Maestros de mi Juventud") y también los bailó (según confesó en la vejez, también en 1961, en "El Mundo de los Seres Ficticios".

Cuando escribió "La Danza del Arrabal" me resultó fácil, no era extraño, yo sentía su música y desde 1900 o 1901, tocaba tangos en el piano; Quienes me veían, se asombraban de que yo "Un Joven Distinguido" le diese a la música del arrabal tanto sabor. Lo bailé pues y bastante bien, con "Mucho Sentimiento" según mis cómplices compañeras es que de veras lo sentía, sentía su alma, su color, su gusto a pecado, su voluptuosidad hipócrita.

No se explica como sintiéndolo de tal modo pudo Galvez denigrar tan impiadosamente al tango en sus novelas, señalando a modo de hipótesis que cuando escribió alguna de ellas, aún no se había levantado la estrella de Cobian y de Fresedo, ni la de los De Caro, agregando que tal vez para purgar aquella injusticia compondría mas tarde su "Oda al Tango" seguida de 24 poemas breves, obra respecto a la cual diria Galvez: Compuse 24 poemas breves y una Oda al tango de largura discreta como introducción. Mostre el tango en el mar, en las sierras de Córdoba, en el bar nocturno. Evoqué los lugares del tango y el espiritu de Juan De Dios Filiberto, el genial autor de "Amigazo". Recordé a varias compañeras de danza. Dediqué poemas al bandoneón, al tango-milonga, a otros diversos temas y me burlé de los extranjeros que imaginan bailar el tango.

Y en un par de brevisimos poemas, contrapuse nuestra danza, profunda, colorida y voluptuosa al ruidoso y negresco "shimmy", por entonces en boga, que solo era un ejercicio gimnástico.

Queremos destacar la certera definición que de él realizó Galvez en su ya citada obra "Hombres en Soledad" al decir: "El tango es la única expresión auténtica de Buenos Aires que es expresión y resúmen de la Argentina, para agregar "Es todo instinto, como nosotros, que hemos vivido siempre una vida instintiva, poco razonada, poco intelectiva. El Tango por pertenecer al mundo de la sensación y de lo infraconsciente es antiintelectual, como es la esencia de lo argentino, y por pertenecer al mundo del sentimiento y del instinto creador, es opuesto a lo mecánico y a lo colectivo. En el tango se encuentran muchas de nuestras características esenciales. Por eso es expresión de nuestra pasividad, de nuestra tristeza fundamental, de nuestro sensualismo lánguido, de nuestra pereza, de nuestra desolación. Esto era en 1938 ¿Es así el "argentino" de hoy?.

Manuel Galvez, falléce en Buenos Aires, el 14 de Noviembre de 1962, a los 80 años de edad.

Se Cumple un Nuevo Aniversario del "Dia Nacional del Tango"

2011-12-11T14:30:00.006-03:00

DIA NACIONAL DEL TANGO

(En conmemoracion al natalicio de Carlos Gardel y Julio De Caro).

Por iniciativa de Ben Molar, este se dirige al conservatorio José De Caro (Padre de Julio, Francisco, Emilio y José) que quedaba en la calle México al 2022 (Capital Federal), donde ensayaba la orquesta de Francisco De Caro, mas precisamente en este lugar Ben Molar le comenta a Julio porque no se dedica a componer un tango y Don Julio escribe la obra que llevaría por nombre "Un silbido en el Bolsillo" en el año 1965, en colaboración con Nicolás Cócaro, a la vez Molar le insinúa que crearía "El Día Nacional del Tango" y a Julio le encanta la idea pero que lo asociara junto a Carlos Gardel por motivos de cumplir años ese mismo día.

Ben Molar

Ben Molar, fué quien tuvo la idea que el Tango tuviera su día, Según lo cuenta él mismo, la noche del 11 de Diciembre de 1965.

Carlos Gardel

Julio De Caro

En el Teatro Nacional "Cervantes" se dió lectura al otro Decreto nº3781/77 del 19 de Diciembre de 1977, en el quedó establecido el "Día Nacional del Tango" para todos los 11 de Diciembre.

-Ben Molar- Propulsor del "Día Nacional del Tango"

Voz Particular, de Corte Gardeliano

2011-09-29T20:59:00.004-03:00

HECTOR MAURÉ

(13/03/1920 - †12/05/1976)

Vicente José Tito Falivene (Héctor Maure), nace el 13 de Marzo de 1920, en el barrio de Palermo (Capital Federal). Se presenta en el Café "Rio de la Plata" de las Avenidas Gallardo y Honorio Pueyrredón, en 1936 por gestion de unos amigos, allí debuta con el nombre de Tito Falavene actuando durante tres meses.

En 1937, la Típica de Anselmo Aieta, lo acompaña en un local, dentro de la Exposicion Rural de Buenos Aires. Continua en este mismo año su carrera, esta vez junto a la Orquesta Caracteristica Porteña que era dirigida por Dante Liguori, actuó también durante 15 días en la Tipica de Alberto Pugliese (hermano de Osvaldo).

En la sala "B" de la emisora LR1 Radio El Mundo, se llevó a cabo una prueba de cantores, donde concurrieron numerosos aspirantes para reemplazar al cantor ya retirado de la Típica de D'arienzo, Carlos Casares; Bajo el acompañamiento del pianista Fulvio Salamanca, Hector Maure cantó "La Mariposa" de Celedonio Flores y Pedro M.Maffia ganandose un lugar en la Típica del "Rey del Compás". Debuta cantando en el Cabaret "Chantecler", es ahí en donde comienza a utilizar su nombre artistico "Hector Mauré". Héctor (por Héctor varela) y Maure (por el apellido de la esposa de D'arienzo).-

En 1940, registra su primera grabación, es el vals de Juan Carlos Gravis que lleva por nombre "Flor de mal". Su último registro en la agrupación de Juan D'arienzo data del 21 de Julio de 1944, es el tango de Carlos Marchisio y Carmelo Santiago titulado "Amarras", estuvo 4 años en la Típica del "Rey del Compás" (1940-1944), y en total realizó 50 registros.-

En 1945 comienza otra etapa en la vida de Hector Mauré, desempeñandose como solista, actúa con orquesta propia dirigida por Alberto Cima, también con los conjuntos de guitarras de José Canet y Roberto Grela, lleva su canto por todos los pueblos además de actuar en la vecina orilla (R.O.del Uruguay).

Como cantor dejó registrado 293 grabaciones, para los sellos (Rca Víctor, Orfeo, Columbia y Music Hall) y como autor y compositor 26 temas. Pasó por las agrupaciones, como ser las de: Juan D'arienzo, Hector Varela, Leopoldo Federico, Lito Scarso y Jorge Dragone.

Falléce el 12 de mayo de 1976, a consecuencias de un infarto de miocardio, en su domicilio particular de la localidad de Ituzaingó (Pcia de Buenos Aires).

Uno de los Grandes Maestros que abarcó diversos Géneros

2011-09-29T18:55:00.005-03:00

FRANCISCO LOMUTO

(24/11/1893 - †23/12/1950)

Francisco "Pancho" Lomuto, nace un 24 de Noviembre de 1893 en Parque Patricios (Capital Federal), pianista, compositor y director orquestal, en algunos registros utilizó su pseudónimo como "Pancho Laguna". Realizó más de 950 grabaciones entre los años 1920 y 1950.

El primer tango titulado "El 606" (en alucion a un medicamento utilizado contra enfermedades venéreas) lo compuso en el año 1906, siendo en ese tiempo empleado del Ferrocarril Pacífico. El tango "Muñequita",éxito estrenado por la actriz y cancionista María Luisa Notar con letra de Adolfo Herschel en el Teatro San Martín, en 1918, registro que después fué interpretado por el zorzal Carlos Gardel y la Orquesta Típica Select.

En los años 20, algunas orquestas de tango, incorporarían algunos intrumentos de este género como ser el clarinete, saxofón, pistón, trompeta, batería; para imprimir un nuevo sonido al genero que interpretaban y acorde al repertorio, tal es el caso que fue adoptado por las agrupaciones de Roberto Firpo, Francisco Canaro, Elpidio Fernandez y el mismo "Pancho" Lomuto. Los géneros comprendían desde el fox-trot, shimmy, choo-choo, ranchera, etc.

Lomuto empieza sus grabaciones para el Sello Rca Victor en 1931, sus primeras grabaciones para el sello incluyen "De Pura Cepa" (Ranchera) y "Nunca Más" (Tango) siendo sus cantores Fernando Díaz y Alberto Acuña (registros realizados a duo). Algunos de los lugares por donde actuó la Típica de Lomuto, fueron el Club Progreso, Club Mar del Plata y Escuela Naval, Teatro Variedades, Hotel París, Teatro Coliseo, Teatro Boedo, Club Nautico y Rivera Indarte (Cordoba); También desfiló con su agrupación por el mítico Teatro Colón participando junto a Pedro Maffia y Edgardo Donato en "La Fiesta del Tango" donde se consagraron los tangos "Ventarron" y "El Huracan".

Participa en el Luna Park en el año 1936 junto a Osvaldo Fresedo, Julio De Caro y Miguel Padula con motivo del primer homenaje que se le realizó a Carlos Gardel; por la emisora LR1 Radio El Mundo, en la fiesta Shell Mex, se unió con los integrantes de las típicas de José Canaro, Julio De Caro, Edgardo Donato y Ricardo Tanturi alternando la dirección en el mismo evento.

También estuvo ligado al cine y la Tv, donde se desempeñó como compositor en las bandas de sonido de distintos films, como son: "Muñequitas porteñas" (1931); "Melgarejo" (1937); "Papá Chirola" (1937); "La Rubia del Camino" (1938); "Muchachas que Estudian" (1939); "Un Callejón sin Salida" (1965); "Los Tres Salvajes" (1966).-

Francisco "Pancho" Lomuto, falléce en Tortuguitas (Pcia de Buenos Aires) el 23 de Diciembre de 195o.

NELLY OMAR (Debut en Paris)

2011-09-10T23:55:00.005-03:00

La Gardel con Pollera y su Cumpleaños Nº 100 - 10/09/2011

2011-09-10T23:19:00.004-03:00

NELLY OMAR FESTEJA SUS 100 AÑOS

Nilda Elvira Vattuone, mas conocida como Nelly Omar, nace un 10 de Septiembre de 1911 en Guaminí (Pcia de Buenos Aires). Debuta cantando en 1946 para el sello Odeon, con la típica de Francisco "Pirincho" Canaro. También se desempeñó en el Cine actuando en los filmes: "Canto De Amor" (1940) y "Melodías De America" (1942). Se la vinculó sentimentalmente con el poeta Homero Manzi, y se dice que este le habría dedicado el tango que lleva por nombre "Ninguna". Desde aca, le rendimos un sincero homenaje a esta ferviente luchadora de nuestra querida musica ciudadana "La Gardel con Pollera" al cumplir cien años de vida.

El Cantor de los 100 Barrios Porteños.

2011-07-23T23:58:00.011-03:00

ALBERTO CASTILLO
(Prototipo de Galán Cantor)
(7 de diciembre de 1914 - †23 de julio de 2002)

Alberto Salvador De Luca (Nombre Artistico:Alberto Castillo)

Nace en el barrio porteño de Mataderos -limite con Floresta- el 7 de Diciembre de 1914. Ingresa a la Facultad de Medicina de la ciudad de La Plata en el año 1930. Usaba el pseudódimo de Alberto Dual cuando lo hacia como cantor de tangos, y era fanatico de Carlos Gardel.
En el año 1934 es acompañado por las guitarras dirigidas por Armando Neira y que a su vez debutaba profesionalmente en LR3 Radio Belgrano.

Pasa por las agrupaciones de Augusto Pedro Berto (1935), Mariano Rodas (1937), En 1938 arma una comedia musical, junto a compañeros estudiantes de la Facultad de Medicina. En 1941 es probado en la Orquesta Típica "Los Indios" dirigida por Ricardo Tanturi, ya que lo incorpora a la misma por sus condiciones vocales, y una gran personalidad.

Con la orquesta de Tanturi se consagra como una de las mejores voces del tango; Con el éxito es contratado para debutar como protagonista en varias peliculas, entre ellas: (1946) "Adiós Pampa Mía"; (1948) "El Tango vuelve a París" (acompañado por Aníbal "Pichuco" Troilo); (1948) "Un Tropezón cualquiera da en la Vida" (junto a Virginia Luque); (1948) "Alma de Bohemio"; (1950) "La Barra de la Esquina"; (1951) "Buenos Aires, mi tierra Querida"; (1953) "Por cuatro días locos"; (1955) "Ritmo, Amor y Picardía"; (1956) "Música, Alegría y Amor"; (1958) "Luces de Candilejas"; (1959) "Nubes de Humo".

Una escena de "La Barra de la Esquina" con la actriz Maria Concepcion Cesar (1950)

Con el Pseudónimo de "Riobal" escribe las letras de los tangos "Cucusita", "Un Regalo del Cielo", "Cada día canta Más", "Asi canta Buenos Aires", "Muchachos Escuchen", "A Chirolita", "Yo Soy de la Vieja Ola", "Castañuelas", "Donde me Quieren Llevar".
Anibal Troilo dijo "Alberto Castillo es un bandoneón que canta".

Pasó los ochenta y mantuvo el rito de siempre: subia al escenario, caminaba unos pasos, estiraba los puños de la camisa, se daba una palmada sobre el corazón, retrocedia un paso, adelanta la pierna izquierda, avanzaba el cuerpo con el cuello de la camisa abierta, la corbata con un nudo grueso y flojo, una mano en el bolsillo, la otra haciendo bocina junto a la boca para arrancar con su verdad: "Yo soy parte de mi pueblo/ y a él le debo lo que soy/ hablo con su mismo verso/ canto con su misma voz' . Y enseguida entonaba: "Cien barrios porteños/ cien barrios de amor/ cien barrios metidos/ en mi corazón..".

Ricardo Tanturi y su Orq.Tipica "Los Indios" con Alberto Castillo.

Nunca estudió canto, Alberto Castillo, el cantor más arrabalero que tuvo el tango.-

Falleció el 23 de Julio de 2002, a los 87 años de edad, en el Sanatorio Bazterrica de Barrio Norte (Capital Federal) y sus restos descansan en el Panteón de S.A.D.A.I.C. en el Cementerio de la Chacarita.

El Tango de la mano de Jorge Luis Borges

2011-06-25T20:51:00.006-03:00

BORGES & PIAZZOLLA UNIDOS POR "EL TANGO"

"Alguien Le Dice Al Tango"

Jorge Luis Borges y Astor Pantaleón Piazzolla

En 1965, Astor Piazzolla y Jorge Luis Borges se unieron para crear juntos “El tango”, un disco en el que participaron el Quinteto de Piazzolla, Edmundo Rivero y Medina Castro.

El disco incluyó varias milongas y tangos compuestos sobre poemas recientes del escritor argentino, en su mayoría publicados en su libro de poemas Para las seis cuerdas.Se agregaron a la lista otros tres: “El Tango”, “Oda íntima a Buenos Aires” y “Alguien le dice al tango”, este último incluido en la primera edición de Para las seis cuerdas pero excluido en la segunda.

Casi todos los poemas elegidos remiten a la imagen tan recurrente en Borges del cuchillero.Se incluyó también una suite que Piazzolla había compuesto en 1960 inspirándose en su “Hombre de la esquina rosada” y que nunca había sido grabada.
En general las letras se ciñen al texto de los poemas publicados por Borges. En otras ocasiones, hay diferencias, todas ellas consentidas o decididas por Borges, puesto que el escritor estuvo presente durante las grabaciones y se dice que solía llamar al maestro Piazzolla en medio de la noche para comentarle cambios que se le habían ocurrido para algún verso.

La “Milonga de Jacinto Chiclana” publicada por Borges, por ejemplo, tiene tres estrofas que faltan en la versión musical del poema. Lo mismo ocurre con “Milonga de Don Nicanor Paredes”, que tiene cuatro estrofas más que la canción.En “El Títere”, por el contrario, se agregó una anteúltima estrofa para la versión grabada con Piazzolla: "Ni la guardiana ni el gritolo salvan al candidatola muerte sabe señoresllegar con sumo recato".

Ellos elaboraron estas magnificas obras impresas en el surco para quedar inmortalizados a través del tiempo y que son: "El Tango", "Jacinto Chiclana", "Alguien le Dice al Tango", "El Titere", "A Don Nicanor Paredes", "Oda Intima a Buenos Aires" (aquí con Gran Orquesta y Coro. Dirección:Astor Piazzolla) y "El Hombre de la Esquina Rosada"; contando con la colaboración del actor Luis Medina Castro en recitados y la voz de Edmundo Leonel Rivero.- Aclaremos que los primeros 5 registros son con "El Quinteto Nuevo Tango" bajo la dirección de Piazzolla.

Innovador, Revolucionario y Perdurable.

2011-06-13T19:44:00.014-03:00

ENRIQUE SANTOS DISCÉPOLO

(27/03/1901 - †23/12/1951)

Enrique Santos Discépolo "Discepolin", poeta, autor teatral, compositor y actor, nace el 27 de Marzo de 1901 en la calle Paso 113 del barrio de Once (Capital Federal), Quedando huerfano desde muy joven, queda bajo la tutela de su hermano mayor Armando quien lo formó y orientó a la cultura permitiendo conocer su vocación por el teatro allá por 1917, ademas de actuar. Debuta como actor junto a Roberto Casaux. En 1918 escribe sus primeras tres obras teatrales que son: "Día Feriado", "El Hombre Sólo" y "El Señor Cura". En 1919 debuta en la agrupación de su hermano Armando como uno de los personajes en la obra "Los Hijos Mandan".

Luis Sierra y Horacio Ferrer lo denominan, en su biografía "El Poeta del Hombre de Corrientes y Esmeralda", Su primer tango titulado Bizcochito" data del año 1925, que en ese mismo año ademas del ya mencionado, escribe la letra y música de "Que Vachache". De su cosecha podemos citar: "Malevaje", "Quien Más Quien Menos", "Yira Yira", "Que Sapa Señor", "Secreto", "Victoria", "Cambalache", "Infamia", "Alma de Bandoneón", "Condena", "Desencanto", "Sin Palabras", "El Choclo", "Esta Noche me Emborracho", "Justo el 31", "Fangal", "Chorra", "Soy un Arlequín", "Carrillón de la Merced", "Confesión", "Tres Esperanzas", "Mensaje", "Andrajos", "Uno", etc

"El tango es un sentimiento triste que se baila"

Actuó en la obra "Mateo" (1920), quien fue escrita por su hermano Armando, dicho sea de paso, su actuación lo llevó a recorrer teatros de Montevideo (R.O.del Uruguay) y Buenos Aires con gran afluencia de público. Como actor en cine, podemos citar su última película dirigida por Manuel Romero, "El Hincha" estrenada el 13 de Abril de 1951 en el Cine "Ocean" de Buenos. (El personaje de Discepolo que se hace llamar "El Ñato", un trabajador mecánico que encuentra el sentido de su vida en alentar al club de sus amores que en la película lleva el nombre de "El Victoria", al punto de postergar indefinidamente el casamiento con su eterna novia (Diana Maggi). Cierra con un irónico monólogo muy recordado sobre el hincha, el fútbol y la vida:

¿Y para qué trabaja uno si no es para ir los domingos y romperse los pulmones a las tribunas hinchando por un ideal? ¿O es que eso no vale nada?”..."¿Que sería del fútbol sin el hincha?...El hincha es todo en la vida...

De ideología peronista, desde los estudios de la radio y con el sobrenombre de "Mordisquito" combatió a los que consideraba carneros de la oligarquía o cipayos con un empeño que no fue bien entendido.

Enrique Santos Discépolo (Discepolín) falléce el 23 de Diciembre de 1951, a los 50 años de edad, su deceso se produjo a las 23:20 horas en su domicilio particular de la Avenida Callao 765 de Buenos Aires.-

Se Cumplen 100 Años del Nacimiento de Edmundo Rivero

2011-06-08T20:54:00.008-03:00

EDMUNDO RIVERO

(08/06/1911 - 08/06/2011 "100 Años")

Hoy, 08 de Junio de 2011, se cumplen 100 años del nacimiento de Edmundo Leonel Rivero, apodado "El Feo", Nace en Valentín Alsina (Pcia de Bs As) guitarrista, cantor y compositor, una de las voces grandes del tango quien actuó en las orquestas de Aníbal Troilo, Carlos Figari, Mario Demarco, Horacio Salgán, Astor Piazzolla (con él realiza en 1968 un excelente trabajo titulado "El Tango" en donde interpreta obras de Jorge Luis Borges), también cantó acompañado con guitarras. Actuó en el Japón por primera vez en 1968 y en 1969, más precisamente el 8 de Mayo, inaugura el mítico "Viejo Almacén", el 6 de Mayo de 1978 ocupó el sillon de Carlos Gardel por ser nombrado Académico de Número de la Academia Porteña del Lunfardo; Especialidad que manejaba a la perfección. El 24 de Diciembre de 1985 sufre una miocardiopatía que lo obligó a ser internado en el Sanatorio Güemes, en donde falléce el 18 de Enero de 1986, a las 10:35 Hs en Bs As. Se nos fué a los 75 años pero nos dejó un gran legado musical en sus registros y en su particular voz.-

De Alegria a Tristezas de un Teclado con Magia en sus Manos

2011-05-05T15:57:00.028-03:00

OMAR VALENTE

(30 de marzo de 1937 – †1 de febrero de 2008)

Omar Valente

Antonio Felipe Valente, más conocido como "Omar Valente" (pianista, arreglador, compositor y director), nace en el barrio de Constitución (Capital Federal) el 30 de Marzo de 1937. Su extensa trayectoria en el tango comienza en la ciudad de las diagonales (La Plata), tal es así que a los 12 años de edad debuta con la orquesta de Ricardo Persico en dicha ciudad.

Fue alumno de Eduardo Rovira y estudio armonía con Ernesto "Tití" Rossi, actúo con Mario Canaro y fué reemplazo de varias orquestas, Tocó el piano en el quinteto de Hugo Baralis para el que escribió varios arreglos, entre ellos el de su tango "Ciudad noche". En 1953 se une a la orquesta de Mario Canaro y en 1955 trabaja como acompañante de Roberto Rufino en radio y televisión. En 1960 se convierte en arreglador y director de la agrupación Quintango de La Plata.

Posteriormente forma parte de la Banda de Música de la Policia de Buenos Aires, como pianista y arreglista. Realiza su primer gira al Japón en 1974 como integrante de la Típica de Francini-Pontier, ejecutando el bandoneón (instrumento que había dejado de tocar por el piano). Este mismo año Valente, funda el "Vanguartrío" con Nestor Marconi (bandoneón) y Héctor Console (contrabajo), uno de los tríos mas recordados por el virtuosismo que se imprimía a cada registro realizado. En 1976 trabaja con Astor Piazzolla y tiempo después con Aníbal "Pichuco" Troilo.

Omar Valente en un ensayo

Durante los próximos años, acompaña a Virginia Luque, como arreglador y director, además de realizar varias giras al pais del sol naciente (Japón) acompañando a diferentes artistas como Jorge Hidalgo entre otros, y luego, en muchísimas oportunidades más, llevando siempre en sus agrupaciones, jóvenes oriundos de la ciudad de La Plata. Según la prensa japonesa: "El mejor espectáculo de tango presentado en este país". El Japón ocupa un lugar de privilegio, demostrandolo con la cantidad de grabaciones realizadas en ese país, 7 albums. Colaboró y acompañó en el disco a infinidad de cantantes, entre ellos podemos citar a Roberto Rufino, Virginia Luque, Alberto Podestá, Silvia del Río, María Garay, Carlos Rossi, Héctor Darío, Reynaldo Martín, Ana Medrano, Enrique Lear y Claudio Bergé.

Durante 1990 realiza una gira por Puerto Rico, Miami y New York dirigiendo un espectáculo protagonizado por Libertad Lamarque. Como compositor ha escrito mas de 84 temas entre ellos: "Alegria de un Teclado" y "Tristezas de un Teclado". Como arreglador logró ensamblar casi a la perfección, una incalculable gama de recursos musicales de avanzada, sin descuidar el ritmo acompasado que caracteriza desde siempre, al genero del tango. En los últimos años, compartió escenario y apadrinó a nuevos cantantes platenses, transmitiendo su conocimiento y experiencia.

Omar Valente fallece el 1 de Febrero de 2008, en el Hospital Español de la ciudad de La Plata a los 70 años, como consecuencia de una neumonía y sus restos velados en 57 entre 5 y 6, para ser trasladado a su ultima morada, el Cementerio Parque Iraola.

El Varon del Tango, Cantor, Actor y Poeta

2011-02-27T22:16:00.016-03:00

JULIO SOSA

(2 de Febrero de 1926 –† 26 de Noviembre de 1964)

Julio María Sosa Venturini, nació en la localidad de Las Piedras, departamento de Canelones, Uruguay, el 2 de febrero de 1926, en el matrimonio formado por Luciano Sosa, peón rural, y Ana María Venturini, lavandera. "El padre fue analfabeto y la madre, sirvienta", siempre contaba y para que no queden dudas, siempre agregaba: "Cuando debuté en Buenos Aires, me tuvieron que prestar un traje".

De ese modo, ejerció las más diversas ocupaciones: ayudante de mercachifle, vendedor ambulante de bizcochos, podador municipal de árboles, lavador de vagones, repartidor de farmacia, marinero de segunda en la aviación naval...Pero sus ambiciones eran otras. Se trasladó luego a Montevideo, para cantar con las de Hugo Di Carlo, Epifanio Chaín, Edelmiro "Toto" D'Amario y Luis Caruso. Con esta última, llegó al disco, donde dejó cinco interpretaciones para el sello Sondor en 1948.
En junio del año siguiente, ya estaba en Buenos Aires cantando en cafés, como el Los Andes, de la esquina de Jorge Newbery y Córdoba. También realizó una prueba en la orquesta típica de Joaquín Do Reyes, pero el director consideró que la voz de Sosa era un tanto dura para el estilo interpretativo de su agrupación.En agosto, lo descubrió el letrista Raúl Hormaza, que no demoró en acercarlo a Enrique Mario Francini y Armando Pontier, que andaban con ganas de sumar un nuevo cantor al que ya tenían en su típica, Alberto Podestá. De ganar veinte pesos por noche en el café, pasó a los mil doscientos mensuales con Francini-Pontier.

Monumento al Varon del Tango en Las Piedras (R.O. del Uruguay)

En junio de 1955 ingresó en la de Armando Pontier y registró sus grabaciones en Victor y Columbia. La gayola, ¡Quién hubiera dicho!, Padrino pelao, Martingala, Abuelito, Camouflage, Enfundá la mandolina, Tengo miedo, Cambalache, Brindis de sangre o No te apures, Carablanca fueron algunos de sus clásicos en esa etapa en que el éxito estaba ya completamente de su parte.
En 1958, contrajo un nuevo matrimonio, con Nora Edith Ulfed, con la que tuvo una hija, Ana María. Ya separado, reincidió, con Susana "Beba" Merighi, su compañera hasta el fin de sus días.
En 1960 reveló su otro aspecto artístico, el de poeta, con la publicación de un único libro, "Dos horas antes del alba". También incursionó en la letra tanguera con una muestra Seis años, que lleva música de Edelmiro D'Amario. A comienzos de 1960, se desvinculó de Pontier decidido a iniciar su etapa de solista. Convocó, entonces, al bandoneonista Leopoldo Federico para que organizara su orquesta acompañante.

El periodista Ricardo Gaspari, titular del departamento de prensa y promoción de la grabadora, lo bautizó "El varón del Tango" y de igual modo tituló a su primer larga duración. Sólo había un inconveniente, enfrentarse al poderoso auge de la denominada "Nueva 0la", el show business de turno, con el que se venían cercenando nuestras raíces culturales en la juventud de la época.

Julio Maria Sosa

Ese enfrentamiento con "La Nueva Ola" se representó a la perfección en la escena que protagonizó para la película "Buenas noches, Buenos Aires" (1964), en la que entonó y bailó con Beba Bidart El firulete, ante unos jóvenes "twisteros" que terminaban por pasarse a los cortes y quebradas.
La realidad no estaba lejos; Sosa logró que una juventud volviera a la música que le pertenecía. Al margen del tango y la poesía, Sosa tuvo otra pasión los automóviles. Fue propietario de un Isetta, un De Carlo 700 y un DKW modelo Fissore; con los tres terminó por chocar, debido a su gusto desmedido por la velocidad. El tercero resultó fatal. Durante la madrugada del 25 de noviembre de 1964, se llevó por delante una baliza luminosa en la esquina de la avenida Figueroa Alcorta y Mariscal Castilla (Buenos Aires).

Julio Sosa con su DKW Fissore

El 24 había cantado por radio su último tango, La gayola. El final parecía profético "pa" que no me falten flores cuando esté dentro "el cajón".Julio Sosa fue el último cantor de tango que convocó multitudes. Y en ello, poco importó que casi la mitad de su repertorio fuera idéntico al de Carlos Gardel, aunque también es cierto que interpretó algunos títulos contemporáneos. Posteriormente, dada su temprana muerte, se intentó repetir con él el mito Gardel, pero Sosa no era Gardel la extroversión y la carencia de ternura de su voz lo alejaban del paradigma del cantor de tangos. Dado un momento determinado de su vida, deja de cantar por problemas en su garganta, mientras actuaba en la orquesta de Francisco Rotundo, fue a ver a varios medicos y nadie le dio una solución y por ende, se dedica a escribir un unico libro con todos sus poemas titulado "Dos Horas antes del Alba" publicado el 8 de febrero de 1964, un amigo lo lleva al médico Leon Elkin, este le examina la garganta y observa que tiene muchos polipos, los que con una pistola medicinal logra curarselos, desde ese entonces vuelve al canto y en agradecimiento le regala una medalla de oro que dice: "Padre Elkin que estás en la Tierra".

Tango y Futbol - Dos Pasiones Encontradas

2011-01-13T01:28:00.010-03:00

EL TANGO EN EL FUTBOL

Si habrán versiones de tangos, marchas y otros géneros por orquestas típicas y cantores de renombre, para citar en este momento, como ser "Racing Club", "Independiente Club", "El Himno a River Plate" por Francisco "Pirincho" Canaro (1931) con la voz de Ernesto Famá, y porque no tambien "Boca Juniors" (1954) por Miguel Caló con Roberto Arrieta; cruzando el charco tambien hay homenajes como el tango "Y Siempre Peñarol" cantado por Luis Alberto Fleitas con la Típica de "Pirincho" Canaro (mencionando logros y personajes del club en esa década del 50)

En el tango La Numero 5 aparece la voz de Fioravanti

Racing Club, entre sus primeras grabaciones podemos citar la del autor y la de Roberto Firpo, registradas en 1913, y la de Francisco Canaro, que corresponde a 1915. Posteriormente lo llevaron al surco entre otros Carlos Di Sarli (1940), Angel D'Agostino (1946) y Rodolfo Biagi (1950).La versión de Alfredo Gobbi (Hijo) en 1949, quizás sea la más acabada interpretación del tango de Greco. Curiosamente, hay que mencionar la existencia de una grabación en vivo (inédita) realizada en 1941 en Montevideo (R.O.del Uruguay) por la orquesta de Aníbal "Pichuco" Troilo.

Agustín Bardi, otro de los grandes compositores de la época, tituló una página bajo el nombre de "Independiente Club", dedicado al "Rey de Copas" o "Los Diablos Rojos", Menos difundido que Racing Club, el tango de Bardi no le llega en calidad artística, como puede comprobarse escuchando el memorable registro dejado por Alfredo Gobbi en 1949. Cuatro años después, Héctor Varela reconocido simpatizante de los "Diablos Rojos de Avellaneda" les dedicaría el tango homónimo, y lo registraría para el sello Pampa.

San Lorenzo de Almagro, el club surgido a la sombra de la parroquia del barrio homónimo, también sabe de tangos que cantan sus hazañas deportivas. En 1923 el bandoneonista Luis Servidio, uno de los hermanos "Balija", le dedica San Lorenzo de Almagro, en homenaje al primer campeonato obtenido por el club de Boedo. Cuatro años más tarde, coincidiendo con otro logro de los azulgranas, José Rebolini y Carlos Pesce componen "San Lorenzo". Vale la pena recordar que el ala derecha del equipo campeón de 1927 estaba integrada por Carricaberry y Maglio, este último hijo del mítico "Pacho". Otros tangos alusivos al cuadro santo son San Lorenzo de Francisco Caso y Francisco Lío y "El ciclón" de Anselmo Aieta y Francisco Laino, sin olvidarnos de "Azulgrana", hermoso tema instrumental de Osvaldo Requena.

Delantera Goleadora de San Lorenzo de Almagro (1968)

Varias orquestas, como citamos al principio, grabaron tangos en homenaje al equipo de la Ribera. Por ejemplo, podemos citar a Juan D'Arienzo, que en 1946 registró "Azul y Oro" de Eduardo Aguirre, o a José Basso, autor de "Once y uno", llevado al disco en 1952. Este tango se refiere a los once jugadores que se encuentran dentro de la cancha y al "jugador número doce", como gráficamente se denomina a la hinchada de Boca. Por supuesto debe entrar en esta nómina Boca Juniors de Miguel Caló. Tuvo cierta repercusión la actuación radiofónica de Julio Elías Musimessi, arquero del club xeneize y de la selección argentina, que se presentaba como "El guardavalla cantor". El chaqueño, cultivó la música del litoral argentino, siendo su tema más difundido el chamamé Viva Boca, de Américo Cipriano y Eduardo Pauloni, que registró para el sello TK.

Club Atletico Boca Juniors

River Plate, es el club con más logros del fútbol argentino, habiendo conquistado 31 campeonatos en la era profesional. Figuran las versiones de Francisco Canaro "El Himno Oficial de River Plate" y una de Leopoldo Díaz Velez titulada "Tarzán" en homenaje a Amadeo Carrizo, registrado en los negros redondos por Armando Pontier y Alberto Podestá.

Club Atletico River Plate

Los platenses también fueron homenajeados por la gente de tango. En 1933, el bandoneonista Horacio Pezzi, en colaboración con Carlos Espíndola le dedican al Club Gimnasia y Esgrima su tango "El Expreso de La Plata", por el Expreso de 1933. Años después, en 1950, Francisco Rotundo y Ernesto Rossi compusieron "Estudiantes de La Plata", tango instrumental para equilibrar la balanza en la puja futbolera de la ciudad de las diagonales.

El Expreso como se lo llamaba a Gimnasia (LP) en 1933

Volviendo al año 1928 la típica de Osvaldo Fresedo registra dos tangos con estirpe bien futbolera "Tarasca Solo" (con la voz de Antonio Buglione) y "Ochoíta". ¿Quiénes eran estos representantes de la época heroica del fútbol argentino? Domingo Tarascone, el gran "Tarasca", notable delantero del Boca Juniors de los años '20, Por su parte Pedro Ochoa, "Ochoíta", excelente gambeteador, integró junto a Natalio Perinetti una célebre ala en el Racing Club de aquella época.

En 1933, Miguel Padula compuso dos tangos vinculados al ambiente fútbolero, "El Mortero del Globito" y "Lemita" (Estos 2 tangos grabados por la Orquesta Típica Víctor con la voz de Alberto Gómez), con los que rindió homenaje a destacados jugadores de Huracán y San Lorenzo de Almagro. El primero de ellos era Herminio Masantonio, delantero que cumplió una larga y destacada trayectoria en el club quemero, por otra parte Jaime Lema, conocido como "Lemita" o "Ratón Mickey", por su corta estatura, ocupó la valla de San Lorenzo de Almagro, campeón en 1933.

Club Atletico Independiente (Avellaneda)

La Orquesta Símbolo Osmar Maderna, dirigida por Aquiles Roggero y el pianista Orlando Trípodi, compuso un tango para la ocasión, al que denominaron "Argentina Campeón"(1955). Ese mismo año fue registrado en el surco con la voz de Horacio Casares.

C.A. Racing Club (Avellaneda)

En 1961 Edmundo Rivero graba "Gol argentino", tema vinculado a la actuación de los seleccionados nacionales. Este tango volvió a ser registrado por él mismo, con motivo del Campeonato Mundial de 1978.

Para ir finalizando podemos citar versiones memorables que dejaron grandes del tango, como ser: "Largue Esa Mujica", "Patadura", "Mi Primer Gol" (Carlos Gardel), "La Número 5" (Alfredo Gobbi con Jorge Maciel - Relatos de Fioravanti), "El Sueño del Pibe" (O.Pugliese con Roberto Chanel - Ricardo Tanturi con Enrique Campos) "Campeones Olímpicos" (Vals) Juan Rodriguez con acompañamiento de guitarras, "Para Vos Chirola" (Hector Varela), "A José Manuel Moreno" (E.M.Francini - A.Pontier), "A Angel Labruna (Francisco Molino), "Nacional" (Puglia-Pedroza con Julio Martel) "Nueva Chicago" (Pasodoble con Roberto Firpo) "El Taladro" (Alfredo De Angelis", "Dale N.O.Boys" (J.Sala - A.Maidal), "Hala Madrid" (Carlos Acuña), "Marcha de San Telmo" (Gabriel "Chula" Clausi), "Himno de Atlanta" (Juan Bava - Carlos Bermúdez) y "Marcha de Platense" (Floreal Ruíz) por citar algunos de los tantos registros realizados con este fin.

El Dia Nacional del Tango a 45 años de su Creación

2010-12-10T21:44:00.019-03:00

DIA NACIONAL DEL TANGO

Hace 45 años, por iniciativa de Ben Molar, este se dirige al conservatorio José De Caro (Padre de Julio, Francisco, Emilio y José) que quedaba en la calle México al 2022 (Capital Federal), donde ensayaba la orquesta de Francisco De Caro, mas precisamente en este lugar Ben Molar le comenta a Julio porque no se dedica a componer un tango y Don Julio escribe la obra que llevaría por nombre "Un silbido en el Bolsillo" en el año 1965, en colaboración con Nicolás Cócaro, a la vez Molar le insinúa que crearía "El Día Nacional del Tango" y a Julio le encanta la idea pero que lo asociara junto a Carlos Gardel por motivos de cumplir años ese mismo día.

Ben Molar impulsó la instauración en conmemoración a la fecha del nacimiento de los creadores de dos vertientes del tango; "La Voz" (Carlos Gardel, El Zorzal Criollo, idolo y figura representativa del Tango) y "La Música" (Julio De Caro, Gran director de Orquesta, renovador del género y creador de uno de los tangos memorables titulado "El Monito".

Ben Molar

Ben Molar, fué quien tuvo la idea que el Tango tuviera su día, Según lo cuenta él mismo, la noche del 11 de Diciembre de 1965. Este presentó la propuesta, al secretario de cultura de la Municipalidad de Buenos Aires, de ese entonces Ricardo T. Freixá, quién le pidió a este la conformidad de las entidades artísticas.

Así consiguió la conformidad de Sadaic, Argentores, Sade, Casa del Teatro, Sindicato de Músicos, Unión Argentina de Artistas de Variedades, Academia Porteña del Lunfardo, Radio Rivadavia, Fundación Banco Mercantíl, La Gardeliana, Asociación Argentina de Actores y Asociación Amigos de la Calle Corrientes vinculadas con el Tango.

Carlos Gardel y Julio De Caro

Molar estuve años peleando con Secretarios de Cultura de la Municipalidad y de la Nación para conseguir el decreto entre idas y venidas, para que se festeje en todo el mundo el "Día Nacional del Tango", que por fin lo daría a conocer él mismo, El Decreto nº5830/77 (29 de Noviembre de 1977). Al mes siguiente, el día 11 se realizó un Festival con la presencia de una gran cantidad de publico que alentaron a los participantes, músicos, orquestas, cantores, locutores, periodistas, animadores y personas vinculadas con el Tango.

En el Teatro Nacional "Cervantes" se dió lectura al otro Decreto nº3781/77 del 19 de Diciembre de 1977, en el quedó establecido el "Día Nacional del Tango" para todos los 11 de Diciembre.

-Ben Molar- Propulsor del "Día Nacional del Tango"

Voz Porteña con Silueta Arrabalera

2010-11-19T03:00:00.011-03:00

TITA MERELLO

(11 de octubre de 1904 - †24 de diciembre de 2002)

Laura Ana Merello (Tita Merello) Nació el 11 de Octubre de 1904 en un conventillo del barrio de San Telmo (Capital Federal) de la calle Defensa 715, entre Balcarce y San Lorenzo. A los cuatro años fue reconocida por su madre en la partida de nacimiento y a los cinco años fue internada en un asilo porque ella debía ir a trabajar. En su infancia vivió en Montevideo, (R.O del Uruguay), donde sin recibir salario, se desempeñó como mucama. Después de regresar a su casa con su madre y aconsejada por un médico que le diagnosticó tuberculosis (cuyos síntomas nunca se presentaron), residió con su tío en un campo ubicado en Bartolomé Bavio, cerca de Magdalena, realizando distintos trabajos en los que ayudaba a su familia ordeñando vacas, preparando asado y cebando mate.

En 1916 trasladó su domicilio a una precaria vivienda de la calle Corrientes 1318, donde residió con su madre. En la década de 1920 Simón Yrigoyen Iriondo, familiar del ex-presidente Hipólito Yrigoyen, le enseñó a leer y a escribir, bajo la guía de Eduardo Borrás, ya que jamás había podido concurrir a la escuela.

En 1923 luego de aprender a leer, se integró al Teatro "Maipo" en el espectáculo de revista "Las modernas scherezadas", cantando su primer tango (Trago Amargo), a las órdenes de Roberto Cayol. En este teatro fue figura estelar compartiendo cartel con los cómicos Pepe Arias, Marcos Caplán y Luis Arata. En 1925 estrenó la pieza teatral "Mujeres, Flores y Alegría", donde presentó uno de los tangos creados por Francisco Canaro titulado "Pedime lo que Querés", con letra de Juan Andrés Caruso Ese mismo año Modesto Papavero diseñó el tema musical "Leguisamo Solo", por el que fue convocada para interpretarlo y produjo un relevante éxito haciendo referencia al jinete uruguayo Irineo Leguisamo. Las mujeres son las más saludadoras. Algunas me preguntan: ¿Usted es Tita Merello? y yo les contesto: -No, la otra es mucho más bonita...-

Tras varias actuaciones, su primer papel dramático importante lo obtuvo en "El Lazo", escrito por Claudio Martínez Paiva en los años 1920, donde conoció al empresario dueño del Teatro "El Nacional": Pascual Carcavallo. En 1927 volvió a actuar en el Teatro Maipo junto a Elías Alippi y Sofía Bozán cantando el tango "Un tropezón". En una oportunidad, fue escuchada por Carlos Gardel, quien comentó que no le agradaba su forma de cantar. El periodista Jorge Göttling expresó: "Ella contaba que allí, con ese lúgubre decorado, cantó en público el primer tango, con su voz feroz y desafinada. Alguien intuye el nacimiento de una artista popular: el empresario Roberto Cayol.

Muchos historiadores afirman que participó en una película muda en 1928, antes que ¡Tango!, titulada "Buenos Aires Tenebroso", cuyas copias desaparecieron y se ignora el director y el elenco, aunque ella siempre lo negó. En 1930 reemplazó a Olinda Bozán en "El Rancho del Hermano", de Martínez Paiva nuevamente y en 1931 se inició en el periodismo mediante la revista "Voces", escribiendo crónicas y poemas. También integró el elenco del sainete "Milonga", montado en el Teatro El Nacional. Posteriormente fue parte de "El Conventillo de la Paloma", clásica obra teatral de Alberto Vaccarezza; y de "Mala Ley", donde actuó con Luis Arata. Hizo su debút en la primera película sonora argentina: ¡Tango! (1933), con dirección de Luis José Moglia Barth. En La fuga (1937) sucedió su revelación como actriz dramática al lado de Santiago Arrieta y cantó Nieblas del Riachuelo, editado rápidamente por Enrique Cadícamo a pedido del director.

Durante su carrera artística tuvo tres polémicos enfrentamientos con Olinda Bozán, la cantante Tania y Libertad Lamarque. Pedro Ochoa relató sobre sus trabajos en cine: "En ocasiones debió defender a sus hijos de sus propios padres. Así sucedió en "Pasó en mi Barrio", "Guacho", "Filomena Marturano" y "Mercado de Abasto". En 1942 protagonizó en el Teatro Presidente Alvear la exitosa obra "Buenos Aires de Ayer y de Hoy", donde presentó la milonga "Se dice de Mí", con letra de Ivo Pelay y música de Francisco Canaro.

En 1946, Luis Sandrini fue convocado para trabajar en México. Tita estando en pareja con él, lo acompañó y allí fue contratada para participar en "Cinco Rostros de Mujer", producida por Clasa Films Mundiales, que había analizado su actuación en "La fuga" y consideró que era una buena intérprete. Además contaba con la participación destacada de Arturo de Córdova, Carolina Barret, Ana María Campoy y Pepita Serrador.

Luego de haber rodado varias películas fue calificada como la mejor actriz dramática de la Argentina, convirtiéndose en una de las figuras del espectáculo más queridas y respetadas del país al igual que Libertad Lamarque, Niní Marshall y Mirtha Legrand. En 1955 cantó el tango "Se dice de Mí" en la película -Mercado de Abasto-, de Lucas Demare y con la protagonización estelar de Pepe Arias y Juan José Miguez. Estuvo vinculada sentimentalmente con algunos reconocidos actores como Arturo García Buhr. En 1942 inició un noviazgo con Luis Sandrini, quien fue "el gran amor de su vida" -como lo definió- pero la relación terminó en 1948, cuando el viajó a España para filmar "Ole, Torero" y ella permaneció en Buenos Aires para protagonizar "Filomena Marturano".

En la década de 1980 se lució en exitosos ciclos como "Sábado de Todos", transmitido por Canal 9 con la intervención de Marcos Zucker, Nelly Láinez y Guido Guido Gorgatti, "Conversando con Tita", "Sábados de Bondad", "Domingo de Todos", y "Notiservicio", respondiendo las preguntas y cartas de muchas mujeres. A su vez formó un exitoso trío con el cantante y actor Hugo del Carril y el cómico Osvaldo Pacheco actuando en el Teatro Avenida; y estelarizó entre los años 1982 y 1983 un espectáculo con Mariano Mores, Horacio Guarani, Eddie Pequenino, Ana María Campoy y José Cibrián. En 1984 actuó en su última pieza teatral, "Para alquilar Balcones", de Enrique Carreras contando con la actuación de Violeta Rivas, Carlos Estrada y Mercedes Carreras en el Teatro Odeón, de la ciudad de Mar del Plata.

En 1990 el Consejo Deliberante la declaró Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires por considerarla "Un Mito Viviente de la Iconografía Porteña". Un año después, en 1991, la Asociación Argentina de Actores (AAA) le entregó el premio Pablo Podestá que distingue a las más importantes figuras de la escena nacional. El músico Osvaldo Pugliese le dedicó un tango instrumental titulado "Para Tita" y el cantante Cacho Castaña le compuso el tema musical "Tita de Buenos Aires". En 1993 la Asociación Amigos de la Avenida Corrientes descubrió un monumento construido frente a su antigua casa; y en 1995 el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) fundó el Complejo de Cine Tita Merello.

El 24 de Diciembre de 2002 a las 12.40 hs, en vísperas de Nochebuena, fallece a la edad de 98 años en la Fundación Favaloro, A las 9.00 hs del día siguiente sus restos son trasladados a la iglesia San Pedro González Telmo, donde se realizó una misa de cuerpo presente y participaron de ésta familiares, amigos de la actriz y personalidades artísticas como Horace Lannes, Osvaldo Miranda, Eduardo Bergara Leumann, Ben Molar, entre otros. Tras la ceremonia, el cortejo fúnebre se detuvo unos minutos en la Fundación Favaloro siendo aplaudida por todos los presentes. Después se interrumpió en la calle Corrientes al 1300, donde se levantó un monolito que recuerda el conventillo en que vivió Tita Merello en su adolescencia. Encabezado por el Regimiento de Patricios, se arrojaron flores y se entonó el Himno Nacional Argentino. Después, el cortejo fúnebre, rodeado de una multitud de personas, continuó el trayecto hasta el Cementerio de la Chacarita donde sus restos fueron cremados, tal como ella había aclarado décadas antes, y depositados en el Panteón de Compositores de S.A.D.A.I.C.

El Tango en el Septimo Arte

2010-10-05T05:14:00.015-03:00

EL TANGO EN EL CINE

Tango (1933) Primer largometraje sonoro

Puede decirse que nustro cine se inició con tango; en 1897 -o poco después-, Eugenio Py filmó "Tango Argentino", que llegó a exhibirse en Europa. A fines de la primera década del Siglo XX, el mismo director rodó una serie de cortos con tangos de zarzuelas criollas y de Angel Villoldo, interpretados por el mismo. La falta de sonido se solucionaba sincronizando el proyector con un fonógrafo, cuyos discos correspondían a la mímica de la pantalla. En 1915, "Nobleza Gaucha" mostró el célebre Armenonville y, en el, las parejas milongueando tangos, aunque no sonara tango alguno. En el mismo año, el famoso "Negro" José A. Ferreyra filmó una producción cuyo título repetía el de un popular tango de Eduardo Arolas, "Una Noche de Garufa", en el que aparecía una orquesta de señoritas con sus silentes instrumentos.

En 1917 asomaban sus rostros a la pantalla, dos de los mayores intérpretes del tango cantado, Carlos Gardel e Ignacio Corsini -que paradójicamente no cantaban- en "Flor de Durazno" y "¡Federación o Muerte!" respectivamente. El mismo Corsini reapareció en 1922, haciendo pareja con otra voz tanguera, María Esther Lerena -para algunos, la inspiradora de "Malena"-. Siempre dentro de la temática tanguera se rodaron después: "La Muchacha del Arrabal" (Ferreyra - 1922), "Melenita de Oro", "La Maleva" (Ferreyra - 1923), "El Guapo del Arrabal" (Julio Irigoyen - 1923), "Galleguita" (Irigoyen - 1925), "Mi Último Tango" (Ferreyra - 1925), "Tu Cuna fue un Conventillo" (Irigoyen - 1925), "El Poncho del Olvido" (Ricardo Villarán - 1925), "El Organito de la Tarde" (Ferreyra - 1925), "De Vuelta al Bulín (Ferreyra - 1926), "En la Patria de los gauchos" (Arturo Mathon, célebre cantor pregardeliano, como director, argumentista y protagonista - 1927), "Muñequitas Porteñas (Ferreyra - 1931) cuyo afiche rezaba: "Primer film totalmente hablado", aunque se trató de una triquiñuela publicitaria: estaba sonorizada sólo parcialmente y a travéz de discos.

Flor de Durazno (1917) Film protagonizado por Carlos Gardel

Pero al cine tanguero le faltaba, precisamente, sonido de tango. Y se lo dió Eduardo Morera con los ya míticos cortos de Carlos gardel rodados en 1930, 15 interpretaciones, algunas no exhibidas por haber resultado defectuosas. Sin embargo el cine parlante tuvo su figura clave en Luis José Moglia Barth. Este director venía de agregar escenas sonoras -cabaret con orquestas y las voces de Virginia Vera y Patrocinio Díaz- a la vieja "Nobleza gaucha", realizadas por supuesto, con discos. Más tarde, realizó un intento sonoro de dos escenas con Amanda Ledesma, titulado "Consejo de Tango", que le sirvió de base argumental para "Tango", el primer largometraje sonoro de nuestro cine.

Tango, estrenada en el Real el 27 de Abril de 1933, mostraba un elenco tanguero impresionante integrado por Tita Merello, Alberto Gomez, Pepe Arias, Azucena Maizani, Mercedes Simone, Libertad Lamarque, Alicia Vignoli, El Cachafaz, y las orquestas tipicas de Ponzio-Bazán, Filiberto, Maffia, Fresedo, D'arienzo y Donato. Aún asi, Ricardo Hicken aseguraba que el primer largometraje sonoro fue su pelicula "Los Caballeros de Cemento", cuyo rodaje finalizó -siempre según sus afirmaciones- antes que Tango, pero que fue estrenada con posterioridad. Esto podría ser cierto, aunque no existe más información que las palabras del propio director. No obstante, lo importante es que, luego de la película de Moglia Barth, el tema tanguero seria uno de los principales del cine sonoro.

Dos secuencias del Film "Tango (1933) Izq. Alberto Gomez junto a Luis Sandrini - Der. otra vez el cantor Alberto Gomez en compañia de Tita Merello.

Por ejemplo, se filmaron algunas biografías como "Derecho Viejo"(1951), con Juan José Miguez interpretando a Eduardo Arolas, "Mi Noche Triste" (1952), en la que Jorge Salcedo encarnó a Pascual Contursi; los tres disímiles argumentos sobre el más grande de nuestros cantores: La Vida de Carlos Gardel (Hugo del Carril - 1939); Se Llamaba Carlos Gardel (Roberto Escalada - 1949) y El Morocho del Abasto (Rolando Chavez - 1950); Adiós Muchachos (1955), en donde el pianista Juancito Díaz interpretó a Julio Sanders, el autor del tango que le da titulo a la película, o El Último Payador (1950) con Hugo del Carril como el payador José Betinoti.

Cantores y cancionistas no tardaron en convertirse en improvisados -salvo casos excepcionales- actores y actrices. Asi tenemos en el celuloide, por ejemplo a:Hugo del Carril (La Cumparsita, La Calesita, Amalio Reyes, un Hombre), Ignacio Corsini (Fortín Alto), Roberto Quiroga (El Cantor del Pueblo), Charlo (Carnaval de Antaño, Puerto Nuevo), Libertad Lamarque (El Alma del Bandoneón, Besos Brujos, Gran Casino), Alberto Castillo (La Barra de la Esquina, El Tango vuelve a París, Un Tropezón cualquiera da en La Vida), Mercedes Simone (La Vuelta de Rocha), Azucena Maizani (Monte Criollo, Nativa), Virginia Luque (La Historia del Tango), Jorge Vidal (El Tango en París) y entre otros, Alberto Vila, Julio Martel o Angel Vargas, que repitió la experiencia de Gardel en cortos como -El Cuarteador y Tres Esquinas.

Gardel, entretanto, pasó al cine estadounidense, el que estaba empeñado en abarcar el mercado de habla castellana, y filmó las exitosísimas -Las Luces de Buenos Aires, Melodía de Arrabal, El Tango en Broadway, Tango Bar, El Día que me Quieras y otras. Estados Unidos ya había prestado atención a nuestro tango desde los días del cine mudo, con "Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis" (1921) en donde el mítico Rodolfo Valentino bailaba el tango con Alice Dominguez, o en "El Gaucho" (1927), con los cortes y quebradas de Douglas Fairbanks y Lupe Vélez.

Rodolfo Valentino - Toma del Film "Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis"

De allí en más, pudo oírse La Cumparsita en Leven Anclas, El Ocaso de una Vida, Una Eva y dos Adanes, Valentino, Alice, Celos en Leven Anclas, la italiana -El Baile- y la española -¡Atame!; Los ejemplos son interminables, hasta llegar a Al Pacino -Perfume de Mujer y Arnold Schwarzenegger -Mentiras Verdaderas- bailando al compás del conjunto estadounidense The Tango Project.

Uno de los Grandes Fraseadores del Tango

2010-10-05T03:09:00.012-03:00

ROBERTO RUFINO

(La Voz Dramatica del Tango)

Escuchar a Roberto Rufino entonar María o La Novia Ausente o Malena o cualquiera de los tangos que había elegido para su repertorio, era advertir que ese tango iba desgranándose de apoco y que las palabras surgían por separado, sin dejar de integrar el todo que las reunía, con la fuerza propia que debían tener en su contexto.

Nació el 6 de Enero de 1922 en la calle Agüero nº753 -en pleno barrio del Abasto- Hijo de Lorenzo Rufino y Agustina Guirin, aunque en su partida de nacimiento figura el día en que fué inscripto, el 8 de ese mes y año. 1938 será el año clave de Roberto Rufino, Carlos Garay, representante de Carlos Di Sarli lo oyó cantar el tango de éste y Enrique Carrera Sotelo "Milonguero Viejo", se lo hizo saber a su representado y éste lo incluyó en su orquesta típica, con la que el cantor accedió al disco el 11 de diciembre de 1939, con el tango "Corazón" de Di Sarli y Héctor Marcó. La fama ya lo había tocado con su varita mágica y "a los 21 o 22 años, tenía un historial discográfico sin precedentes. En efecto, llegó a grabar junto a Di Sarli 46 páginas. Entretanto tuvo dos breves paréntesis, con las orquestas de Alfredo Fanuele (1941) y Emilio Orlando (1942), para retornar con "El Señor del Tango" en 1943.

Roberto Rufino en LR3

Fue uno de los grandes fraseadores del tango. En sus labios, las palabras cobraban vida por separado dentro de la letra.

Un año más tarde, se desvinculó de la orquesta que lo lanzó a la popularidad; era tiempo ya de probar suerte como solista. Debutó en calidad de tal, acompañado por su orquesta, que puso bajo la batuta de Atilio Bruni, en Radio Belgrano, donde se lo llamó "El Actor del Tango". Posteriormente dirigieron su agrupación acompañante Alberto Cámara -con la que grabó su primer 78 como solista, para el sello uruguayo Sondor en 1945- y Porfirio Díaz, con la que registró el segundo disco, en la Víctor chilena (1946).

Entre los años 1947 y 1950 volvió a convertirse en vocalista de orquesta ajena, las que dirigían Enrique Mario Francini, Armando Pontier y Miguel Caló, para continuar en calidad de solista entre 1952 y 1954. Durante los dos años siguientes, fué cantor de Roberto Caló, y luego siguió como solista, salvo breves intervenciones con algunos directores, como ser Enrique Mario Francini (1957), Armando Pontier (1961-1962), Aníbal Troilo (1962-1965) y Miguel Caló (1966), para registrar un (LP) larga duración. Resulta curiosa la breve labor de Rufino como cantante melódico, bajo el pseudónimo de Bobby Terré, con el que, puede decirse, no quedó precisamente en la historia. Como tal, realizó grabaciónes entre 1957 y 1960, alternando con su propio nombre como tanguero.

Sus actuaciónes en la sala mayor de Radio El Mundo, con la asistencia de público, fueron ocultadas tras una máscara, de modo que se lo presentaba como "El Enmascarado Bobby Terré"; no era cuestión de avivar a la gilada. Tuvieron repercusión en la época sus interpretaciones de "Adios Adios Adios...", "El Teléfono", "Vuelve", "Amor" y "La Luna y el Sol". Pero eso fue todo. Terré volvió a ser Rufino y Rufino no volvería a alejarse del tango.

Una tarea menos difundida que la de cantor, aunque no por ello ignorada, fue la de compositor y letrista. Es autor de numerosas obras, como "Muchachos, arranquemos para el Centro", "Eras como la Flor", "¡Como nos Cambia la Vida!", "Calla", "Destino de Flor", "Dejame vivir mi Vida", "La Novia del Suburbio", "Soñemos", "En el Lago Azul", "No Hablen mal de las Mujeres", "La Calle del Pecado", "El Clavelito", "Carpeta", "El Bazar de los Juguetes", "Los Largos del Pibe", "Manos Adoradas", "¡Que quieren...Yo soy Así!, etc. Entre sus colaboradores autorales -músicos y letristas- se contaron Roberto Casinelli, Manolo Barros, Mario César Arrieta, Marvil, Roberto Caló, Cholo Hernández, Julio Navarrine, Héctor Marcó, Horacio Sanguinetti, Reynaldo Yiso, Angel Cabral", Alberto Martínez, Alejandro Romay y otros. Sus últimos años fueron de incansable actividad. En 1997 fue declarado "Ciudadano ilustre de la Ciudad de Buenos Aires", y en 1998 "Ciudadano ilustre de la Cultura Nacional"

Era la culminación de su trayectoria, una culminación sin dudas , merecida. El 24 de Febrero de 1999, su corazón dejó de latir en la sala de terapia intensiva de la Fundación Favaloro. El 25 por la mañana, el pueblo despidió sus restos en el Cementerio de la Chacarita, entonando aquél tango que tanta veces su modo de decir había desgranado palabra por palabra, como para que no se perdiera el sentido de lo que había escrito el autor: "Malena canta el tango como ninguna..."; Acaso sólo faltó una cosa, haber dicho Rufino en lugar de Malena.

Una Voz Potente, Dulce y Cristalina

2010-09-16T07:17:00.012-03:00

JORGE CASAL

(Una Voz Gardeliana)

(14 de enero de 1924 – †25 de junio de 1996)

Nacimiento en Villa Urquiza (Capital Federal) de (Salvador Carmelo Pappalardo – su verdadero nombre), hijo de José y Dominga de Pappalardo.
Se inicia cantando en fiestas escolares a los diez años de edad. Fue cantor de la orquesta de Florindo Sassone desde 1946 hasta 1950, año que ingresa a la de Aníbal Troilo en la que permanece hasta 1955, cuando hace su debut como cantor solista.
Las primeras grabaciones las hace con el conjunto de guitarras de Roberto Grela que estaba conformado por Héctor Ayala, Domingo Laine y Ernesto Báez en el guitarrón. Curiosamente en su primer disco ("Dicen que dicen" y "A mis manos") no participa Roberto Grela.
Ya desvinculado de Sassone ingresó a la orquesta de Aníbal Troilo dejando en el disco 20 grabaciones memorables. Entre ellas los tangos "La mentirosa", "Carmín", "La cantina" y el vals "Vuelve la serenata".
Participó en las películas "El Cartero", "Vida Nocturna" y "Mi Noche Triste", siendo además autor de varios temas, entre ellos: "Cortejo de Mentiras" y "Por algo soy el Marido".
Jorge Casal fue un cantor admirado por sus colegas, un muchacho simple, pero de una gran sensibilidad para el ejercicio de su vocación de cantor, un ejemplo del hijo del inmigrante que se destaca en una carrera tan difícil que, como en este caso, no tuvo el reconocimiento que hubiera merecido.

Un Bandoneón hecho Voz

2010-09-16T01:03:00.006-03:00

RUBEN JUAREZ

(05/11/1947 - †31-05-2010)

Nació el 5 de Noviembre de 1947 en Ballesteros (Provincia de Córdoba). Simultáneamente comienza a aflorar su vocación por el canto, pero por consejo de su maestro de bandoneón, en su casa le prohíben cantar, para no distraer los estudios del instrumento, en los que revelaba importantes avances. Permanece en el conjunto mencionado, cerca de 2 años, hasta que lo vienen a buscar para integrar el conjunto rockero “Los Tammys”, donde estaba como cantor Jhony Allon. Rubén Juárez actuaba con el seudónimo Jimmy Williams cuando debutan en Radio El Mundo presentados por Maria Moreno y Silvio Soldan. Pero la historia del bandoneonísta y cantor de tangos corría por otros carriles.

Sin dejar de cantar, pero si de estudiar en la Escuela Industrial donde solo permaneció 1 año (1960), recorre peñas, clubes de barrio, reuniones y se le anima a algún concurso, ya con el gustito del Tango en los labios. En esa época alternaba el trabajo con el tango, cuando conoció a Héctor Arbello, guitarrista de su barrio (ex guitarra de Julio Sosa), con quien comienza a viajar al interior del país los fines de semana. Según cuenta Rubén, se largaban con la plata justa para el hotel, a ver si “pescaban algo”. Horacio Quintana fue la llave que le abrió a Rubén Juárez las puertas de “Caño 14” y del sello grabador “Odeón”, donde registro su primera versión grabada: “Para vos Canilla”. Rubén recuerda y consigna la fecha de aparición del disco simple, porque coincida con el cumpleaños de su madre (4/07/69). Cuando lo escucho Aníbal Troilo “Pichuco”,, le pidió ser su padrino y Rubén lo recibió y acepto como el maestro e ídolo que era. Pronto llega la T. V (“Pipo” Mancera por Canal 13), los viajes por el país y el exterior. Asi visita Venezuela, Colombia, Uruguay...

Ruben Juarez junto a su Amigo "El Bandoneón"

Mientras tanto, en 1973, la “Asociación de Comentaristas de Tango” lo consagra como “el mejor interprete y artista del año”, galardón que le otorga la Revista “GENTE” en 1975. y entre viaje y viaje, las presentaciones ineludibles en el “Caño 14”, Perú, una vez más Venezuela, Estados Unidos, (Washington, Los Ángeles, Nueva York), otra vez Colombia... En el ´75 ocupa el escenario del Teatro Solís de Montevideo, recorre la Argentina, vuelve a Uruguay, y Venezuela, visita Chile. Para ello también realizo diferentes espectáculos que protagoniza en “Cafes Concerts” y salas teatrales: “Mi bandoneon y yo”, teatro con Eduardo Rudy; “Cosas de Negros” y “Cantame la Justa”, con Raúl Lavie; en el teatro Bambalinas: “Cantata en Negro y Plata” y “Zorzales de exportación”, con Chico Novarro; carteleras compartidas con el “polaco” Goyeneche; “Mas Tango que nunca” en el Presidente Alvear; “Canto compartido”, con Cesar Isella y Cantoral en la provincia de Córdoba; los teatros Cervantes, Astral, Margarita Xirgu, Estrellas; los locales de la “noche porteña”...

Y la incursión en el cine con la co-producción latinoamericana “Tango Bar” en uno de los papeles protagónicos, junto a Valeria Lynch y Raúl Julia. De la TV local, un exiguo saldo que no ha contemplado su repercusión popular ni su importancia como exponente del canto nacional. Desde la década del ’90 hasta la actualidad, ha realizado numerosas giras por Europa y América con giras programadas hasta el 2006. En Europa ha heredado el circuito musical de Astor Piazzola en Suecia, Finlandia, Alemania, Inglaterra y Suiza, etc.Ha sido artista invitado de Charly García en un Festival de Música en Nantes (Francia). Participo en la Cumbre del Tango en Granada (España) reiteradas veces. Compartió escenario con Fito Paez, Juan Carlos Baglietto, Raúl Lavie, Chico Novarro, Jose Angel, Trelles, Maria Graña, Mercedes Sosa, Diango, Joan Manuel Serrat, el “Polaco” Goyeneche, Luis Salinas, Maximiliano Guerra, Julio Boca y Eleonora Cassano, Charly García, Valeria Lynch, entre miles de artistas reconocidos a nivel Internacional.Participó como artista invitado en la grabación del ultimo trabajo de su amigo Joan Manuel Serra (el “Nano”) “Sombras de la China” y canto junto a Serrat en su gira “El gusto es nuestro” junto a Ana Belén, etc, en Teatro Luna Park de Buenos Aires, y en el Chateau Carreras de Córdoba En Portugal participa en espectáculos junto a Carlos Do Carmo (el Gardel de Portugal), en España está por realizar un especial para el mundo junto a Francisco Morente. Este año ha sido nominado como “Mejor Artista de Tango” en los premios Gardel por su ultimo CD “El Álbum Blanco de Rubén Juárez” y está muy próximo a llevarse un disco de oro.

Voz y Temperamento Varonil

En Marzo de 2004 cerro el Festival de Tango en Buenos Aires junto a Luis Salinas, ocasión en la que se cerro la Avenida Corrientes. Ha presentado su reciente producción teatral “El Tango en Broadway (Homenaje)”, que obtuvo en Temporada de Verano en Villa Carlos Paz (Córdoba) 9 premios. Esta producción ha viajado por el país, y sigue en Gira con un elenco destacado de artistas y bailarines. Próximamente ha de presentarse en el Teatro Bambalinas (Buenos Aires).Luego viajara a Zurcí, Bruselas, España. En Julio se presentará en un teatro de la Calle Corrientes para festejar sus 35 años con el tango, para luego continuar su gira por el exterior...

En el 2005 luego de la temporada en Villa Carlos Paz( donde, como productor, convocó a figuras como Rubén Rada ,Argentino Luna, Los Caravajal calamaro,etc) viajo a España para presentarse en: Sagonto, Almeria, Marbella, Granada, Madrid y Sevilla donde hizo el cierre de la cumbre mundial del tango junto al cantaor flamenco Enrique Morente, donde fueron ovacionados por el públiso ( ver página www.rubenjuarez.net ) de alli su gira siguió por Italia : Roma, Milán, Torino ,Venecia.(.donde regresará en 2006 acompañado por el sexteto de Cristian Zarate luego de Japón); terminó su gira europea en Portugal.. De regreso en Argentina se presenta en el teatro Ateneo de Buenos Aires iniciando asi la gira Nacional , pasando tambien por Chile ,Uruguay, Brasil. Para el 2006 ya tiene tambien programado Israel, Italia, España, Japón, y una pelicula junto a Enrique Morente que se filmará en España. El 12 de setiembre en el teatro Metropolitan recibira el premio konex, al mejor cantante de tango de los ultimos 10 años.

Una Voz Experta en Fraseos

2010-07-30T20:57:00.007-03:00

ROBERTO GOYENECHE

Volver a poner en el tocadiscos, "Afiches", "La Última Curda", "Malena", o "Chau No Va Más" o cualquier otro tango desmenuzado palabra por palabra por Roberto Goyeneche es volver a oír un modo diferente de transmitir la música de Buenos Aires, es percibir una vez más, ese fresco (casi bandoneonístico), esa manera de cantar "hasta los puntos y las comas", según lo vio acertadamente Aníbal Troilo. Ese sorprendente modo de decir el tango, tenía algo de Angel "Paya" Díaz, de Floreal Ruíz y de Roberto Rufino pero todos pasados a través del filtro de su talento y lo que Goyeneche hacía era pronunciar cada palabra con su exacto significado, con toda su carga emotiva, vale decir, (entablar un pacto de complicidad con el público), para recurrir a su mas apropiada frase.

Los orígenes de Roberto Goyeneche, tal su verdadero nombre se estremezclan con la leyenda, una leyenda que él mismo contribuyó a forjar, vino al mundo el 29 de Enero de 1926 en el barrio de Saavedra, y quien fué su madre María Elena Costa pero, ¿quién era el padre?, el propio cantor se encargo de informar que había sido Roberto Emilio Goyeneche -el pianista autor de "Pompas", "De Mi Barrio", "El Metejón" y otros tangos- ,lo cual resulta cronológicamente imposible, este música había fallecido el 22 de Abril de 1925, ¡nueve meses antes del nacimiento del cantor! pero aún "El Polaco" enmarañó más las cosas cuando antes que él habían existido otros dos Roberto Goyeneche, su padre pianista y (su tío bandoneonísta) porque según, él su abuela solía llamar Roberto a todos sus hijos.

Y no esta mal que así lo haya hecho; la leyenda suele rodear a los personajes fuera de serie y él fué uno de ellos.

Con su particularísimo estilo, expresó el significado exacto y la precisa carga emotiva que cada palabra requería. Como pocos (El Polaco) fué una leyenda en vida.

Organizado por Roberto Casinelli y Raúl Outeda en el Club Federal Argentino, de Nuñez obtuvo el primer premio como cantante que consistía en un contrato como vocalista de Raúl Kaplún. Con ella debutó en Radio Belgrano y llegó a registrar algunos temas que no salieron a la venta. De modo que sus primeras grabaciones comercializadas datan de 1952 cuando pasó a la orquesta de Horacio Salgán en la que compartió la faz vocal con Angel (El Paya) Díaz.

Su contacto con el Paya fué importantísimo ya que sería uno de los modelos de su estilo final como ya quedó dicho. Por otra parte también debia Goyeneche el apodo de que todos lo conocimos en (El Polaco), diez composiciónes grabó con Salgan desde "Alma de Loca" hasta "Un Cielo para Los Dos" -esta a dúo con su compañero vocal-

De 1952 a 1956, pasó a la típica de Aníbal Troilo, aunque en un principio el bandoneonísta no estaba entusiasmado con la estampa del intérprete "¿Como voy a poner en la orquesta un cantor de tangos con la pinta de cowboy?", solía decir, finalmente la calidad interpretativa del Polaco pudo más que la indecisión del "Gordo" y el 7 de Septiembre de ese año inició sus grabaciónes con "Pichuco", a partir de Bandoneón Arrabalero dejando algunos registros clásicos, como: "A Homero", "El Motivo", "Como se pianta La Vida", "La Última Curda", a veces acompañado por las guitarras de Héctor Arbelo, alternó sus actuaciónes con Troilo con su labor como solista en las radios Del Pueblo, Libertad y Argentina y grabó con Roberto Pansera. En 1960 también cantó con el cuarteto de Troilo-Grela; en 1961 grabó con Los Modernos. En 1963 cumplió sus últimas actuaciónes con Troilo a la vez que cantó como solista acompañado del trío integrado por Luis Stazo, Armando Cupo y Mario Monteleone con el que llegó a grabar porteriormente "Si no se va, Lo Echo" le habría dicho cariñosamente" Troilo empujandolo hacia la carrera de solista

Su enorme popularidad y su condiciónde mito viviente lo llevaron a la cinematografía, para participar en dos películas del director Pino Solanas, "El Exilio de Gardel" y Sur". Eran ya los últimos tiempos de un Goyeneche mimado por la hinchada convertido en ciudadano ilustre de Buenos Aires pero con su capacidad respiratoria notablemente reducida, lo cual no le permitía cantar más de cuatro tangos por presentación.

Sin embargo, seguía siendo esa leyenda a la que el tango le devolvía lo que él le había dado. Cacho Castaña le dedico un tango en vida titulado "Garganta con Arena" y Ernesto Pierro-Guillermo Mieres con otro tango titulado "El Polaco" que obtuvo el primer premio en el Festival Cosquín de la canción en 1994 con la voz de Silvana Gregori, poco después pasada las 14:30 Hs del sabado 27 de Agosto, en el Sanatorio Anchorena, el inmenso cantor calló, para siempre su voz.

Con la muerte del "Polaco" se va un mito de la música ciudadana

Cantor de Hermosa Voz, Compositor y Actor

2010-07-30T17:54:00.009-03:00

CHARLO

Sin lugar a dudas, la de Charlo es una de las voces más completas con la que ha contado el tango. Desde el punto de vista técnico puede decirse que las mejores del canto porteño son las de Carlos Gardel -por sobre todas- Mercedes Simone, Charlo y Edmundo Rivero. Por su parte, Charlo se inició con un estilo completamente gardeliano (escúchese por ejemplo su grabación de "Las Vueltas de la Vida", de 1928), del que fué desprendiéndose sabiamente para llegar a ser inconfundiblemente, él mismo. Es decir, para convertirse en el inmenso intérprete que todos hemos admirado por sus excelentes tesituras, su innegable afinación, su particular timbre casi virtuosísimo, pero seríamos injustos si no lo tuviéramos en cuenta, también como un buen ejecutante de piano, acordeón, guitarra y violín, y un finisimo actor y compositor que a veces escribió sus propias letras.-

EL MISTERIO

El decía llamarse -atribuyéndose un linaje aristocrático- Carlos José Pérez de la Riestra. No obstante, en su partida de nacimiento (fechada en la ciudad bonaerense de Puán, en 1906 un año después del nacimiento) figura como hijo de Carlos Fidel Pérez Barrientos y Teresa Urdinola Fresdenoso. Evidentemente el apellido de La Riestra brilla por su ausencia, y no faltó quién señalara que fue tomado por el cantor del propietario de la estancia donde llegó al mundo y en la que sus padres hubieran sido empleados, quizás mayordomos. La adopción de su segundo apellido parece ser relativamente tardía, ya que en las partituras de sus primeras composiciónes y en algunos de sus discos iniciales aparecía Carlos J.Pérez (Charlo).-

Carlos José Pérez Urdinola nació en la Estancia La Piedad -y no en El Avestruz como se dijo erróneamente en muchas oportunidades- entre las localidades de Guatraché y Avestruces, el 7 de Julio de 1905, según ha confirmado el estudioso Néstor Pinzón.-

Como compositor citaremos algunos de sus tantos exitos: "Rencor", "Cobardía", "Ave de Paso", "No Hay tierra como la Mía", "Cachadora", "Tu Palida Voz", Rondando tu Esquina", "El Vals del Ayer", "Tango en Colombia", y el tango humorístico "Vas Muerto con el Disfráz".-

En 1990 se lo nombró "Académico de Honor de la Academia Nacional del Tango".

Fallece el 30 de octubre de 1990, a las 10.45 Horas, en la Clínica Bazterrica, ubicada en la esquina de Juncal y Billinghurst.

"Considerado como una gloria viviente del tango, en sus últimos años recibió el reconocimiento por su extensa y valiosa labor"

El Prototipo de un Muchacho de Barrio

2010-06-14T04:05:00.011-03:00

CACHO CASTAÑA

El 11 de Junio de 1942 nace en el Barrio de Flores, Capital Federal (Argentina), Humberto Vicente Castagna mas conocido como "Cacho Castaña", Su vocación por la música se inicia a los 14 años ademas de ejecutar el piano, este compositor y cantautor es el creador de temas como los que sobresalen entre otros, por ejemplo "Cafe La Humedad", "Garganta con Arena" (dedicado a Roberto Goyeneche) y "Tita de Buenos Aires" (dedicado a Tita Merello).-

Compuso 2500 canciones, entre sus preseas figuran 15 discos de oro y 15 discos de platino; entre su discografía estan: "Soy Un Tango" (1996), "Cacho de Bs As" (1997), "Bs As Lado B" (2000), "Mas allá de la Leyenda" (2003), "En Vivo" (2006), "Septiembre del 88" (2006), "Los Esenciales" (2004), "Espalda con Espalda" (2005) -Album Galardonado con el Premio Gardel- "Tango" (2005), "Vida de Artista" (2006), "Y ya nada fué lo Mismo" (2007), "Yo Seré el Amor" (2008).-

Cacho Castaña en un Show

Actuando en cine y televisión citamos: "El mundo es de los jóvenes" (1970), "El cabo Tijereta" (1973), "Los éxitos del amor" (1979), "La carpa del amor" (1979), "La playa del amor" (1980), "La discoteca del amor" (1980), "Ritmo, amor y primavera" (1981), "Abierto día y noche" (1981), "Felicidades" (2000), "Traficante de ilusiones: Cacho Castaña" (2003), "Resistiré" (2003), "Los Roldán" (2004), "Por amor a vos" (2008).-

Para ir terminando esta reseña diremos que es simpatizante de los gauchos de Boedo "San Lorenzo de Almagro" (estuvo invitado en el centenario del Club).-

Los Comienzos de Juan Carlos Cobian

2010-05-03T02:29:00.003-03:00

EL MAESTRO PLATENSE DE COBIAN

Juan Carlos Cobian, uno de los mas grandes creadores del tango, que trajo a su música un "lenguaje musical mas elevado que el que hasta entonces era habitual; un lenguaje en el que nada quedaba del canyengue y en el que asomaban rachas melódicas transoceánicas al decir de José Gobello, tuvo en sus comienzos como profesor a un maestro platense, cosa que es prácticamente desconocida para los habitantes de esta ciudad.

Fué Enrique Cadícamo, quién exhumó el recuerdo del Maestro Numma Rossotti, en su libro "El Desconocido Juan Carlos Cobian" y a él nos referiremos.

Numma Rossotti nació en La Plata, el 2 de Junio de 1889 y en 1911, merced a una beca viajó a Francia para estudiar en la "Schola Cantorum" con Vincent D'Indy, Louis De Serres y Guy De Lioncourt. De regreso al país fue enviado a Bahía Blanca, desempeñándose al frente del "Conservatorio Williams" de aquella ciudad, al que concurrió Cobian que era 3 años mayor que su maestro.

Luego de 6 años de permanencia en Bahía Blanca, retornó a Francia. En su nueva estadía -dice Cadícamo- tuvo el honor de ser amigo y ocasional intérprete de Aquíles Claudio Debussy, de quién en 1915 estrenó junto al violinista Kis Thaulow, La Bercause Heroique, en la Societé Savante de Bélgica. En París se contó junto a Guttero, Piaggio, Merediz, López Buchardo, Curatella Manes y otros, entre los fundadores de la Asociación de Artistas Argentinos. Se desempeñó asimismo como Cónsul argentino en Lyon y corresponsal del diario "La Razón". Años mas tarde regresó a nuestra ciudad en la que falleció el 9 de Junio de 1955.

De Rossotti, recibió Cobian algo mas que conocimientos técnicos, recibió cierto delicado buen gusto -dice Gobello- que sin duda se nutrió recíprocamente con las veleidades aristocratizantes del joven tanguero, que en reconocimiento a su maestro, le dedicó el tango "A Pan y Agua" porque él le había enseñado a escribir. De este modo, pretendemos rescatar del olvido al maestro Platense de Cobian.

Historias y Enigmas del Tango

2010-05-02T18:27:00.010-03:00

ENTRE AROLAS E IRIARTE

La Historia del tango ofrece numerosos casos que plantean tanto al lego como al investigador verdaderas lagunas, a esta altura definitivamente incorporadas a la categoría de enigmas que deben darse por definitivamente irresueltos.

Ello debido al carácter inorgánico que naturalmente tuvo en los prolongados años de su gestación, a la bohemia de sus autores y a la falta de editoriales, entre otros factores.

Uno de esos casos lo constituye la marcada analogía que existe entre los tangos "Comme il Faut" y "Comparsa Criolla", que nosotros al igual que los amigos, hemos apreciado escuchando las versiones que grabaron Aníbal Troilo y Ricardo Tanturi respectivamente.

Este tema, por lo dicho al comienzo, daría para una dificultosa investigación por la carencia de documentos, existiendo sólo referencias orales. A modo de explicación se ha dicho que Eduardo Arolas, autor del primero y Rafaél Iriarte que lo fue del segundo, compusieron la música en ocasión de tocar juntos y que cada uno la habría registrado posteriormente como propia con los mencionados títulos, hecho que habría originado el consiguiente entredicho:

Arolas y Comme ilFaut

Según consta en las diferentes biografías de Arolas que hemos consultado, los guitarristas que secundaron al "TIGRE DEL BANDONEÓN" fueron "El Gallego" Fernández, Ruperto Leopoldo Thompson, Marcos Ramírez, Graciano De Leone (antes de dedicarse a sus instancias al bandoneón) y Pacífico Víctor Lambertucci.

La única referencia a actuaciónes compartidas entre Arolas e Iriarte, se encuentra en la obra de Horacio Ferrer "El Tango, Historia e Imágenes", tomo 1, pagina 349 y según ella habrían tenido lugar entre los años 1910/1915. Ni Héctor Ernié el principal y más calificado biógrafo de Arolas, menciona actuaciones de este con Iriarte, ni este mismo se refirió a ellas en el reportaje que le hiciera Héctor Bates en Radio Belgrano el 13 de Febrero de 1935. Arolas grabó "Comme il Faut" en la faz "A" del disco Víctor Nº72146, en el año 1918, época en la que ya había dejado de lado la guitarra, integrandose su conjunto por él en bandoneón, Rafael tuegols y Atilio Lombardo "El Féretro" en violínes, Alberto Paredes en cello y Juan Marini en piano.

En cuanto al presunto entredicho, cabe señalar que Arolas se radicó en 1919 en Montevideo (R.O.del Uruguay) y en 1920 se dedicó a pasear por Europa en compañía de su amiga Alice Lesage, volviendo en 1921 al Uruguay, donde compuso entonces "La Cachila", retornando definitivamente a Francia donde permaneció hasta su muerte en 1924.

Iriarte y Comparsa Criolla

Rafael Iriarte por su parte, seis años después de la desaparición de Arolas, presentó su tango al septimo concurso del disco Nacional que se realizó en el año 1930 en el Cine "Electric"con la animación de la orquesta de Francisco Canaro, certámen en el que obtuvo uno de los premios "accesit" en la categoría "música sola".

Estos son los antecedentes que pudimos reunir. Ahora el comentario. El libro de Horacio Ferrer pese a sus méritos, esta plagado de errores y su cita se ve relativizada en su valor por el hecho de no mencionar año, lugar y otras referencias acerca de las supuestas actuaciones de ambos. Aparece mas como una elaboración a partir del conocimiento de la existencia de ambas obras y su particular coincidencia.

Debe llamar la atención el hecho de que ni Héctor Ernié, ni el propio Iriarte mencionen tales actuaciones. Queda como un interrogante el hecho de que quienes organizaban los concursos e incluso el mismo Canaro, hayan aceptado la participación de Iriarte con su obra en el certámen conociendo los antecedentes del caso. ¿Deberá interpretarse como una reivindicación de Iriarte acerca de su autoría?.

Recuerdos y Publicaciones en los Medios del 1º Programa de Tangos en FM

2010-05-01T18:05:00.020-03:00

PUBLICACIONES DEL PROGRAMA EMITIDOS EN LOS MEDIOS DE PRENSA.

El Programa inaugura el ciclo con Antena y Estudio nuevos. (1991)

4º Aniversario del programa (18/09/1993)

200 Emisiones a puro tango, con importantes invitados en el Estudio de FME 103.9 Mhz (Publicación:El Rioplatense).-

Logo de la Emisora en donde nació el 1º Programa de tangos en la República Argentina (Publicación:El Rioplatense)

Aquí, Oscar Cobian recibe el premio Estelares del Espectáculo 2000, que se llevó a cabo en el Pasaje Dardo Rocha de la ciudad de La Plata (Publicación:Diario Hoy)

Vista general de los premiados en la noche platense (Publicado:Diario Hoy)

Programa declarado de Interés Cultural por el Honorable Concejo Deliberante de la ciudad de Ensenada (05/11/1998).-

Decimo Aniversario del Programa, nota publicada en la columna del 2 x 4 del Diario Clarín escrita por el Sr Jorge Gotling.-

Estampillas conmemorativas por el Centenario de Carlos Gardel 1888-1990. Edición especial que el correo sacó solamente en españa.-

Staff del Programa en AM Rocha 1570 Khz.-

Diplomas ganados por el Programa. Años 1992, 1994, 1995, 1996.-

Un Cantor con Voz de Baritono

2009-06-15T02:11:00.015-03:00

EDMUNDO RIVERO

(8 de junio de 1911 - 18 de enero de 1986†)

Edmundo Rivero fue un cantante, guitarrista y compositor argentino de tangos nacido el 8 de junio de 1911 en el barrio de Valentín Alsina (Patido de Lanús).
Se formó en la música clásica, estudiando canto y guitarra en el Conservatorio Nacional del barrio de Belgrano; Vivió su primera infancia en pueblos bonaerenses; Criado en el barrio porteño de Saavedra y luego en el barrio de Belgrano, el poeta y letrista de tangos Cátulo Castillo lo definió alguna vez como “Un personaje del Quijote nacido en la pampa”.

Apoyado y empujado por un tío soltero, músico de tango, se dedica a recorrer boliches y escenarios con su infaltable guitarra. Acompañó películas mudas en un cine del barrio La Mosca, en Avellaneda (por entonces todo barro, zanjas y casas de lata) donde exhibían la película Resaca, el protagonista desenfundaba una guitarra y Edmundo Rivero debía musicalizar dicha escena.
Recala con su hermana Eva en radios o “broadcastings” de entonces como Radio Brusa, Radio Bs As, acompañaban a cantores pero en ocasiones, cantaban ellos o tocaban música de distintos generos.
En sus inicios formó dúo con su hermana Eva y debutó realizando algunos pequeños conciertos para Radio Cultura interpretando música española y temas clásicos. Su carrera como cantor de tango se inicia con José de Caro y en 1935 se une a la orquesta de Julio de Caro como vocalista. Luego haría parte de otras orquestas, como las de Horacio Salgán y Aníbal Troilo, imponiendo su registro de barítono y su inconfundible estilo aporteñado.

Con Troilo empezaron a tocar en un baile en el Tigre, había un lleno completo y cuando Pichuco le dijo "Ahora usted, Rivero" hubo unos aplausos un poco raros, que a Troilo le sonaron exagerados y largos. Rivero cantó un tango y la gente empezó a dejar de bailar y a arrimarse al palco. Al final no sólo aplaudían, sino que gritaban y tiraban cosas al aire. Rivero cantó otra pieza y más de lo mismo. Troilo viendo el peligro, creyó que el público se burlaba de la voz grave de Rivero; Sentado con el bandoneón, "Pichuco" le atino a decir por lo bajo, tratando de no ofenderlo "Mire, Rivero, mejor bájese del palco, porque me parece que esto viene de cargada". ¿Le parece?, ¿Y no ve que le tiran cosas?, Ah, pero a mí en los bailes siempre me aplauden así, ¿Está seguro, Rivero?. El cantor lo tranquilizó y Troilo recordaría para siempre aquella anécdota; Pero todavía tuvo que vencer Rivero la antipatía de algunos de los músicos de la orquesta que le quitaban el micrófono, se lo inclinaban o lo desprendían de la jirafa sostén, hablaban mal a sus espaldas y hasta le aconsejaban al Gordo que lo despidiera. Pero Troilo no sólo estaba mucho más allá de todas las mezquindades, sino que fue quien más supo de cantores y se había enamorado para siempre de él.

Edmundo Rivero con Pichuco y su Orq.Típica

A finales de la década del 40 se perfiló como una de las voces mayores del tango. En Cine participó en los films "El cielo en las manos (1949)" y "Al compás de tu mentira (1951)". En 1969 inaugura el local "El Viejo Almacén", que se convirtiria en uno de principales centros tangueros porteños. Ubicado entre las calles Balcarce e Independencia, el lugar se convirtió en una verdadera postal porteña y centro de reunión de figuras nacionales e internacionales como ser las visitas de los reyes de España Juan Carlos y Sofía hasta Joan Manuel Serrat (gran admirador del cantor) por nombrar algunos, todos los visitantes ilustres pasaban por El Viejo Almacén.

Fue compositor y autor de varios temas, y algunos tangos al modo reo y lunfardo. "No mi amor", "Malón de ausencia", "A Buenos Aires", "Falsía", "Quién Sino Tú", "Arigato Japón" y "El jubilado". Compuso también: "Pelota de cuero", "Biaba", "La señora del Chalet", "Poema número Cero" y "Las Diez de Última, "Calle Cabildo", Acuérdate", "Todavía No", "Aguja Brava", "Amablemente", "Coplas del Viejo Almacén", "Milonga del Consorcio", "P'al Nene" y "Bronca", entre otras.

El 18 de Enero de 1986, luego de permanecer internado desde diciembre en el Sanatorio Güemes, por una miocardiopatía, fallece en Buenos Aires a los 74 años de edad.

Una Voz Amable con Registro de Barítono, Gran Afinación y Fraseo bien Porteño

2009-05-18T01:31:00.010-03:00

UNA CHARLA CON AMADEO MANDARINO

Nos Refiere Amadeo, que sus padres tuvieron 7 hijos de los cuales, él y los citados hermanos fueron artistas, en tanto su hermana menor es la madre del actor Adrian Martel.

De niño tuvo la ocasión de conocer a Carlos Gardel que vivía, como ellos en la calle Jean Jaures e incluso visitaba su casa para escuchar a su hermano Luis que había formado dúo con Francisco Todarelli, con quien estrenó el tango "El Bulín de la Calle Ayacucho", en el año 1923 en el Teatro Soleil, de la calle Corrientes, de su barrio del Abasto.

En su juventud practicó boxeo, llegando a realizar 33 combates en la categoría mosca

hacia 1929.

En esos años estudió canto con varios maestros, entre ellos, Eduardo Bonessi. Por entonces actuó como galan actor en Radio Del Pueblo, en "La Hora del Mate" junto a Haydee Larroca, madre de Nora Cárpena.

Hacia 1932 reemplazó a Felix Gutierrez en la formación del Trío Melodia, junto a Manuel Cao, la otra voz y Daniel Lopez Barreto, reemplazado luego por Oscar Sabino, como pianista y director musical.

En el año 1933 tuvo el honor, como artista de Radio Nacional, de cantar en la audición que se ofreció como despedida a Carlitos Gardel, el 6 de Noviembre de ese año junto a Charlo y otras importantes figuras.

Amadeo Mandarino en ocasión de despedir a Gardel en Radio Nacional el 6/11/1933

Por esos años tuvo gran popularidad, llegando a superar a Hugo Del Carril, entre otros cantores en una encuesta realizada por la revista El Cantaclaro. A partir de 1937 colaboró con Aníbal Troilo haciéndole "cambios" a Fiorentino. En uno de ellos le correspondió estrenar en Montevideo el tango "Total Pa'que Sirvo".

En 1939 cantó con Pugliese, desde que debutó el 11 de Agosto, en el Café Nacional - siendo asi el primer cantor de esta orquesta que entonces integraban, además del director en el piano Enrique Alessio; Luis Bonnat ("Palito") y Antonio Roscini en bandoneones; Enrique Camerano, Antonio Puleio y el uruguayo Julio Carrasco en violines, y Aniceto Rossi en el bajo.

Luego de breve estadía siguió colaborando efectivamente con Pichuco, con quien hizo algunos registros, editándose solamente "Pajaro Ciego" a dúo con Fiorentino, obra realizada el 26 de Mayo de 1941.

En 1942 cantó con Manuel Buzón con quien, entre otros músicos revistaron los pianistas Jaime Gosis, Orlando Goñi y Juan Carlos Howard; los violinistas Blas Pensato, Jaime Ferrer y Alfredo Gobbi; los bandoneonistas Máximo Mori, Antonio Rios, Julio Ahumada y el contrabajista Quicho Diaz. Con ella dejó 7 registros: Los tangos - "Al Verla Pasar", "Que has hecho de mi Cariño", "Fueye"; Las milongas - "Mano Brava", "Música del Organito", "Jazmín Simon" y el vals "Miedo".

Orquesta Manuel Buzón con Amadeo Mandarino (Traje gris)

En 1943 cantó con Florindo Sassone por Radio Belgrano realizando una grabación de prueba que incluyó "Tierrita" y "La Cumparsita".

En 1943 pudo ser cantor de OrlandoGoñi, cuando este se separó de Aníbal Troilo pero por razones de trabajo no llegó a hacerlo, debutando aquel con Rodriguez Lesende. En el mes de Junio de 1945 formó rubro con Emilio Balcarce; De ahí en mas siguió como solista actuando en 1947 durante un año en Tucuman. En sus actuaciones en este caracter lo hizo acompañado por diversos conjuntos entre los cuales recuerda Amadeo, el Cuarteto que dirigiera José Stilman, violinista de Aníbal Troilo y los que condujeran los bandoneonistas Angel Darío y Jorge Pino.

En 1962 volvió a actuar como cantor de orquesta en Mar del Plata, con el Conjunto que dirigió Roberto Caló.

Atesora valiosos documentos y testimonios de reconocimiento recibidos a lo largo de su extensa y fructífera carrera, y exhibe con indisimulado orgullo el portafolio que llevaba Fiorentino en ocasión de sufrir el accidente que le costara la vida, que puso en sus manos la viuda del inolvidable "Fiore".

Esta es a grandes rasgos, la reseña de la charla con Amadeo Mandarino.

Lunatico, el Alazan del Morocho

2009-05-03T06:00:00.014-03:00

LUNATICO

Lunatico junto a Carlos Gardel

Lunático nació en Buenos Aires el 25 de septiembre de 1922, era hijo de “Saint Emilión” y “Golden Moon”.

Carlos estaba en Montevideo, año 1921, y visitó el hipódromo de Maroñas. Allí, estaba trabajando el cuidador Francisco Maschio, quien le presentó al jockey Irineo Leguisamo. Pasaron unos años y, en 1925, se empecinó en tener su propio caballo contra la voluntad de Maschio. Por fin, en el Tattersal de Palermo pudo convencerlo y saltó la oferta por ese caballito de linda estampa, nacido en el haras "Ojo de Agua".

La chaquetilla de las primeras carreras eran entonces naranja y verde a rayas horizontales, mangas y gorra verdes. Puesto a punto, debutó el 26 de abril de 1925, tirada de 1.200 metros y la monta de "Legui". Salió tercero, su performance fueron en total de 36 carreras, sólo una fuera de Palermo. Ganó 10, 6 segundos puestos, 8 veces tercero, cuarto en 6 oportunidades, quinto en 1 y no figuró en 5.

Como reproductor, ninguno de sus dos hijos se destaco: "Reviro" y la yegüa "Mala entraña".

El zorzal criollo tuvo otros ejemplares que no rindieron sus frutos como “La pastora”, “Amargura”, “Cancionero”, “Theresa”, “Explotó”, “Mocoroa” y “Guitarrista”, pero el único que pareció importarle fue “Lunático”.

Legui junto al zorzal

Leguisamo fue jockey de cracks como Lombardo, Yatasto, Cocles, Payaso, La Mission, Filón, Arturo A y Jungle King, así como de Lunático, este alazan rendidor, caballo de su gran amigo Carlos Gardel con el que triunfó en infinidad de ocasiones en Palermo y Maroñas, llegando a enhebrar nueve victorias consecutivas.

El Bandoneón Mayor de Buenos Aires

2009-04-08T01:56:00.007-03:00

ANIBAL "PICHUCO" TROILO

(11 de julio de 1914 - 18 de mayo de 1975 †)

Nació en la ciudad de Buenos Aires (Argentina) mas precisamente en el barrio del Abasto, casualmente en la misma manzana donde nacieron el pianista de jazz Enrique Villegas (1913-1986) y el pianista de folclore Adolfo Ábalos (1914-2008).

Sus padres se llamaban Felisa Bagnolo y Aníbal Carmelo Troilo. Su padre le pondría el seudónimo de Pichuco. En el litoral argentino, pichuco significa ‘negrito’, según algunos como diminutivo híbrido de pichú, que algunos autores alegan incorrectamente que proviene del idioma guaraní (aunque en guaraní «negro» se dice cambá). Quizá tenga que ver con el guaraní pichĩ, ‘pequeño’. Otra teoría quiere que provenga de pichuquear (verbo españolizado del sustantivo quechua pichusca, ‘desprendimiento de las flores inútiles del algarrobo en noviembre’ (principio del verano boreal).

Troilo escuchaba tocar el bandoneón en los bares de su barrio. A los 10 años convenció a su madre para que le comprara su primer bandoneón. Felisa lo compró a 140 pesos de entonces, a pagar en 14 cuotas de 10 pesos; pero luego de la cuarta cuota el vendedor desapareció y nunca reclamó el resto.
Con ese bandoneón, Troilo tocó casi toda su vida.

Un año después, en 1925 (cuando contaba con 11 años de edad) Pichuco realizó su primera actuación, en un bar pegado al Mercado de Abasto (el mercado central de frutas y verduras de Buenos Aires). Más tarde integró una orquesta de señoritas. Era común que una orquesta formada por sólo mujeres tuviera uno o varios integrantes varones (vestidos con traje). A los 14 años ya había formado un quinteto.
En diciembre de 1930 fue contratado para formar parte del famoso sexteto del violinista Elvino Vardaro, el pianista Osvaldo Pugliese y Alfredo Gobbi (hijo) (quien era apenas el segundo violín del conjunto, pero más tarde se haría célebre como director de orquesta). Allí tuvo como compañero a Ciriaco Ortiz (de quien aprendería mucho sobre técnica bandoneonística). Ese sexteto no realizó ninguna grabación discográfica.

Troilo pasó por numerosas orquestas, entre otras, las de Juan Pacho Maglio, Julio de Caro, Juan D'Arienzo, Ángel D'Agostino y Juan Carlos Cobián, hasta que en 1937 formó la suya propia, junto a Orlando Goñi, Enrique "Kicho" Díaz , Roberto Gianitelli,Juan Miguel "Toto" Rodríguez y Francisco Fiorentino entre otros, con la que debutó en la boite Marabú (de Buenos Aires).Siempre tuvo cantantes de primera linea de los que algunos después continuaron su carrera como solista. Pasaron por su orquesta: Francisco Fiorentino, Amadeo Mandarino, Alberto Marino, Floreal Ruiz, Edmundo Rivero, Aldo Calderón, Jorge Casal, Raúl Berón, Carlos Olmedo, Pablo Lozano, Roberto Goyeneche, Angel Cárdenas, Elba Berón, Roberto Rufino, Nelly Vázquez, Tito Reyes y Roberto Achával.

El Gordo "Pichuco", muere un 19 de mayo de 1975 en el Hospital Italiano, a causa de un derrame cerebral y sucesivos paros cardíacos.

El Misterio sobre su Nacimiento

2009-01-11T03:29:00.009-02:00

EL NACIMIENTO DE VILLOLDO

Uno de los misterios "de hierro" en la historia de los autores del tango ha sido la fecha y lugar de nacimiento de D.Angel Gregorio Villoldo Arroyo, unánimemente reconocido como "El Papá del Tango", titulo que le fuera acordado en vida.
En su momento y varios años después de su muerte, la crónica periodística volvió a ocuparse de él a raíz del inminente retiro de sus restos de la bóveda en que descansaban perteneciente a la familia del Capitan de Fragata Alfredo P.Lamas, de la que su hermana Irene, fuera ama de llaves para ser destinados al osario.
Ese destino de los restos de Villoldo, pudo ser evitado gracias a la gestión que entre otros llevó a cabo el periodista e investigador D.Ernesto Temes ("Julian Porteño") quien segun se dice habria entrado en posesión del documento personal de Villoldo y por ende sería el único que tendría conocimiento de la fecha de su nacimiento, la que mantuvo celosamente en secreto durante años.
A raíz de la publicación del libro "Carlos Gardel y Los Autores de sus Canciones", debido a D.Orlando Del Greco, ha podido saberse que el autor de "El Choclo" nació el dia 16 de Febrero de 1861.
Cabe señalar que el dato fue obtenido de la Sociedad de Autores de Francia, de la que Villoldo fue socio a partir de su viaje del año 1907 que realizara junto con el matrimonio Gobbi, y si bien no tiene el mismo valor de un documento de identidad, procede de una manifestación suya, por lo que por ahora constituye el dato mas fehaciente que se posee.

Testimonios sobre El Zorzal Criollo

2008-11-23T22:11:00.014-02:00

LA GENTE OPINA SOBRE GARDEL

Abelardo Arias.
(Escritor, Premio Nacional de Literatura):

Tuve oportunidad de verlo y escucharlo personalmente en el cine Broadway. Cantaba como yo y todos los demás de la sala hubiéramos deseado hacerlo. Gardel representa lo popular elevado a su más alta jerarquía. Además hizo conocer el nombre de nuestro país en todo el mundo.

Horacio Ferrer.
(Poeta):

Es el más grande artista que ha surgido en este siglo en el hemisferio sur. Aunque lo busquen con lupa no van a encontrar otro como él. Hablé de hemisferio sur porque tal vez haya una especie de fatalidad histórica de la cultura que vaya derivando de la inmensa obra del hemisferio norte hacia nosotros. Gardel fue, como tipo humano, un precursor de este siglo.
Tuvo la inmensa fortuna de no darse cuenta de que estaba haciendo una obra tan enorme. Por eso pudo seguirla. Su figura sigue intacta, nunca pasará de moda. Fue lo que dije: un precursor del figurín masculino del siglo XX.

Francisco López Grela.
(Pintor):

Gardel supo traducir a través de sus interpretaciones magistrales el sentimiento de todo un pueblo, ese mismo pueblo que lo erigió, sin dudas, en su máximo ídolo. E.A.

Enzo Valentino.
(Cantor y autor de Tangos):

Yo lo escuché en el año 1933 en Cañada de Gómez, cantó acompañado por Barbieri, Vivas y Pettorossi. Es en toda su extensión el maestro mayor del arte del canto nacional. E.A.

Hermenegildo Sábat.
(Artista Plástico):

Gardel tuvo la facilidad aparente de un superdotado, pero no debe dudarse su probidad profesional y sus legítimos deseos de superación. Desde sus primitivas grabaciones realizadas con precarios elementos técnicos, hasta las últimas evidencias previas a su muerte en 1935, su formidable testimonio no desmiente el clamor que indica que cada día canta mejor.

Timo Zorraquín.
(Periodista):

GARDEL: Una familiaridad de foto coloreada en el espejo del colectivo, un tango en la memoria que el tiempo al repetirlo vuelve más sabio y profundo, una sonrisa ganadora que emerge detrás de las cosas argentinas, incluso detrás de la bronca, del llanto, de la pobreza y el desastre.
También es una simulación: una corbata y un traje, una ironía, una elegancia de baile. Una imagen afortunada que quedó acuñada en la moneda de juego de un país complicado y perezoso.
Carlitos también grabó un fox-trot. Y en esta última ramita de párrafo se posa el zorzal y canta, canta acertando en la emoción del pueblo, con arte, con verdad de vida, aunque el íntimo secreto de su voz sea siempre un misterio, trascendiéndose, recreándose sin pausa en la memoria de su gente. E.A.

Adrian Guida.
(Cantor de la Orquesta de Osvaldo Pugliese):

Dentro del cancionero popular es el inventor del tango. Como símbolo de personalidad, es el prototipo del porteño. Su conducta profesional es ejemplar, signada además, en semejante intérprete, por la sencillez y humildad. E.A.

Edmundo Guibourg.
(Escritor):

Extraño e irresistible influjo de su simpatía. He visto a notables intelectuales y artistas europeos buscar su amistad tan comunicativa. No olvidaré nunca que mientras se vestía en su camarín del Palace de Barcelona, lo esperaba pacientemente el patriarcal Santiago Rusiñol, deseoso de hechar un párrafo luego en el café... ni olvidaré cuando Pierotti venía jadeante a buscarme, porque Jacinto Benavente había invitado a almorzar en Capucines a Carlos y éste me reclamaba de urgencia en su timidez atribulada. ...Carlitos Chaplin... evadiéndose de la curiosidad popular, solía llamarlo a Carlos aparte en las tertulias del Palace de la Mediterranée en Niza.

Samuel Eichelbaum.
(Escritor, Autor Teatral):

...En realidad era muy difícil no admirar a Gardel: para mi era imposible verlo sin captar en él algo así como... ¿qué podría decirle?... como de predestinado.
La persona de Gardel era verdaderamente interesante. Porteñísimo en sus maneras, era sumamente pulcro en el vestir, muy atildado, dentro del estilo de su elegancia.

De Estilo Refinado y Aristocratizante

2008-11-16T23:22:00.014-02:00

EL BANDONEÓN DE FRESEDO

Fue la de Osvaldo Fresedo una de las figuras fundamentales de la historia del tango, que tuvo como protagonista por espacio de casi sesenta años de labor brillante e ininterrumpida.
Leyendo un artículo del Dr. Luis A.Sierra, encontramos un juicio que consideramos de interés reproducir por todo lo que significó el autor de "Sollozos", pero también por lo que encierra aquel acerca del tango, como expresión de nuestra cultura. Dice Sierra: "Desde los comienzos de su primera orquesta, allá por 1919, se advirtió ya la calidad musical y el equilibrio sonoro que iba a prevalecer como sello inconfundible y preponderante de toda su trayectoria profesional.
Fue introduciendo en la ejecución instrumental del tango recursos tan interesantes como los "stacattos" pianísimos, los "crescendos" ligados y los atractivos efectos de síncopa en una constante gama de matices de muy variado colorido; Además fue concediendo también mayores oportunidades de lucimiento personal a los instrumentalistas, incorporando los solos de piano de ocho compases y colocando en primer plano los contracantos de violines (impropiamente denominados "armonías") con mayor autonomía de expresión a la vez de renovar los expresivos y sobrios fraseos de bandoneón en la mano izquierda.
Incluso se permitió el lujo de introducir en esas evolucionadas formaciones algunos timbres instrumentales no tradicionales del tango, como cierto fondo de percusión discretamente utilizados, pantallazos oportunos de vibrafon y algún aporte ensamblador de las cuerdas con delicados toques arpísticos. Todo dentro de un contexto orquestal de perfecto ajuste y refinado buen gusto. Y por supuesto conservando intactas las concepciones rítmicas y melódicas que hacen a la esencia misma de nuestro tango, es decir los atractivos de la belleza musical inteligentemente conciliados con la autenticidad inconfundible de una manifestación artística eminentemente popular".
"Como ejecutante, podría decirse que de los bandoneonistas que alcanzaron notoriedad, Osvaldo Fresedo fue el que conservó mayor semejanza interpretativa con las fórmulas de ejecución propuestas por Eduardo Arolas en cuanto a estilo, sobriedad, sonoridad y concepción armónica directa, sin amanerados rebuscamientos virtuosistas y de profundo respeto por la melodía originaria".

Osvaldo Fresedo ejecutando su Bandoneón

"Como Arolas, tampoco es solista por excelencia, no siente el tango para expresarlo instrumentalmente solo con miras al lucimiento preciosista del concierto. Pero lo mismo que Arolas, logra Fresedo lo fundamental, lo más difícil en la ejecución bandoneonística del tango que es el ligado de los sonidos, arte sencillo y a la vez complejo de desterrar las estridencias antimusicales y las espectacularidades vacías de contenido artístico.
Prefiere Fresedo diluir sabiamente su bandoneón conductor en la proyección integral de la orquesta, amalgama de sonido y depurada musicalidad en el esmerado empleo de los matices y en el buen gusto de la difícil simplicidad de sus siempre equilibradas y originales versiones".

Hábil Interprete de Piano, Guitarra ,Violín y Armonio

2008-11-02T16:42:00.015-02:00

EL ALMA DE UN BARRIO
(Juan De Dios Filiberto)

Nombrar a JUAN DE DIOS FILIBERTO es nombrar al alma colorida de La Boca. En ese barrio vino al mundo el 8 de marzo de 1885, hijo de Juan Filiberto “Mascarilla”, un célebre bailarín de fines del pasado siglo.

Demoró Filiberto en entrar en el territorio del tango. El primero que compuso “Guaymallén”, data de 1915, es decir cuando el músico andaba por sus treinta años. A éste siguieron “De mi Tierra”, “Se recomienda Solo”, “Cura segura” y “Suelo Argentino”. Hasta que en 1918, dio a luz su primer éxito, “Quejas de Bandoneón”.

Se trataba de tangos instrumentales, pero Filiberto estaba destinado al tango-canción o a la “canción porteña” como rotuló a algunos de los que compuso. Muchos fueron los poetas que colaboraron en sus creaciones: Gabino Coria Peñaloza (“Caminito”, “El Pañuelito”); Juan Bruno (“Langosta”, “Yo te Bendigo”); Fernán Silva Valdés (“Clavel del Aire”); Enrique Santos Discépolo (“Malevaje”); Luis Mario (Pseudónimo que utilizaba María Luisa Carnelli) (“Cuando Llora la Milonga”, “Linyera”); Lito Bayardo (“La Canción”); Celedonio Flores (“Comadre”); Alberto Vacarezza (“Botines Viejos”) por solo nombrar a algunos.

También incursionó Filiberto en otros géneros musicales, como el vals (“María”, “Amor que Muere”); la zamba (“¡Ay, Zamba”!); el gato (“Chúcaro”) y entre otros ritmos, la música de concierto (“Procesión de la Milonga”). No por nada dijo alguna vez: “Creo que desperté firmemente para la música luego de oir la “Novena Sinfonía” de Beethoven. Me señaló un rumbo firme, definitivo.

Falleció el inspirado melodista el 11 de noviembre de 1964 pero no se fué del todo, nos dejó sus tangos inmortales.

Nuevas Sonoridades y Diseños Estéticos para el Tango

2008-11-02T16:34:00.004-02:00

LA OTRA VANGUARDIA
(Eduardo Rovira)

Promediaba la década del ´50 cuando surgieron los rezongos vanguardistas del bandoneón de EDUARDO OSCAR ROVIRA,en una línea completamente alejada del estilo de Piazzolla. Horacio Ferrer lo definió certeramente al señalar: “Resulta una versión razonadora de la obra esencialmente pasional de Astor Piazzolla”.

Nacido el 30 de abril de 1925 en la ciudad de Lanús (Pcia de Bs As), Rovira debutó cuando apenas tenía 9 años, en la orquesta de Francisco Alessio. De allí en más integró diversas agrupaciónes entre ellas las de Miguel Caló, Orlando Goñi, Osmar Maderna, José Basso y Alfredo Gobbi. En los ’60 participó en las formaciónes de Héctor Artola, Reynaldo Nichele y Atilio Stampone.

Pero desde mediados de los ’50 –como quedó dicho- dirigió tercetos, cuartetos, sextetos y algunas agrupaciones de mayor envergadura. Se distinguió, asimismo, por la inclusión de instrumentos ajenos al tango, como el oboe, sumado a su larga duración “Tangos en la Universidad”.

Posteriormente, en 1971, agrgó saxo tenor, corno, fagot y clarón, además de volver al oboe. Su obra ofrece títulos como “El engobbiao”, “A Evaristo Carriego”, “Tango en Tres”, “Sónico”, “Sólo en la Multitud”, “Tristoscuro”, “A Roberto Arlt”, “Febríl”, “Monotemático”, “Azul y Yo”, “Cita con Nadie” (Julio Camilloni); “Otro” (Enrique Duca); “Bandomanía”, “Milonga para Mabel y Peluca”, “Preludio de la Guitarra Abandonada”.

Falleció el 30 de junio de 1980 en la ciudad de La Plata a consecuencias de un paro cardíaco, cuando ya había dejado una clara propuesta: “¿Como puedo yo hacerle vivir musicalmente al hombre de hoy cosas que ya son historias tan viejas?”, todo ello, respetando siempre al tango tradicional, aunque lo considerara cosa del pasado.

Ritmo Canyengue y Profundamente Bailable

2008-11-02T16:10:00.011-02:00

...O TODO EL TANGO
(Francisco Canaro)

Decir FRANCISCO CANARO es citar, prácticamente, toda la historia del tango. Vino al mundo en la uruguaya ciudad de San José de Mayo, el 26 de noviembre de 1888, y en 1898 estaba ya radicado en Buenos Aires. Desde poco tiempo después –cuando comenzó a tañir su primer violín, de fabricación casera- y hasta su deceso, ocurrido el 14 de diciembre de 1964, vivió por y para el tango.

La música de Buenos Aires le reportó mucho dinero, pero también mucho fue lo que hizo por ella. Por ejemplo, integró la primera agrupación denominada “orquesta típica” –la de Vicente Greco-, conformó la primera orquesta que sonaba realmente a orquesta –oiganse sus grabaciones de 1919-, participó en la fundación de tres asociaciones pro derechos autorales y en la definitiva SADAIC, incluyó en la típica el contrabajo, el vocalista y el dúo de cantores.

A partir de 1928 creó la corriente sinfónica, con tangos fantasía como “Pajaro Azul”, “Halcón Negro”, “Mirlo Blanco” o “El Rey del Bosque”. En 1937 volvió a la pequeña agrupación, conformando el célebre “Quinteto Pirincho”, para realizar exclusivamente grabaciones, en tanto se presentaba ante el público con su orquesta.

Dejó una extensa nómina de tangos clásicos, como: “La Tablada”, “El Pollito”, “Charamusca”, “El Chamuyo”, “Tiempos Viejos”, “Nobleza de Arrabal”, “Madreselva”, “La Última Copa”, “La Brisa”, “Adios Pampa Mía”, “Sentimiento Gaucho”, “El Pinche”, “Destellos”...

En otros géneros, produjo “Corazón de Oro” (vals), “¿Donde hay un Mango?” (ranchera), “Paja Brava” (pericón), “Se dice de Mí” (milonga), etc.

Sí, decir Francisco Canaro es decir el tango.

Estilo, Color de Voz y Temperamento Expresivo

2008-11-02T15:57:00.007-02:00

CON SANGRE IRLANDESA
(Blanca Mooney)

En 1956 obtuvo el segundo premio en un concurso de cantantes organizado por una revista del espectáculo en el Luna Park. En el mismo certamen surgieron otras voces que también tuvieron su peso en la canción porteña. Silvia del Río, Ruth Durante y Nelly Vazquez. Luego de tres décadas y media de actividad tanguera, la muerte silenció su garganta el 9 de mayo de 1991.

Se llamaba BLANCA MOONEY –no se trata de un seudónimo; por sus venas corría sangre irlandesa- y había nacido en la localidad bonaerense de 9 de Julio. En la época del concurso que la lanzó a la fama, estaba radicada en Banfield.

Aquél segundo puesto le dió la oportunidad de hacer oír su voz a través de Radio Belgrano, con un contrato de dos meses, que luego fué renovado para ser incorporada al elenco de la emisora hasta 1958. El éxito obtenido hizo que, en 1959, Osvaldo Fresedo la incluyera como vocalista de su orquesta.

Su creciente popularidad le permitió convertirse en solista al poco tiempo. Llegó entonces su primer Larga Duración, en el que fué secundada por su conjunto acompañante, que dirigía el pianista José Marquez. La fonografía nos acercó entonces sus excelentes versiónes de “Café de Los Angelitos”, “Uno”, “Alma de Bandoneón” y otras páginas con las que logró verdaderas creaciones, como ya lo había hecho, junto a Fresedo, con “Julián” y “Arrabalera”.

Contrajo matrimonio con Ricardo Caletti, del que nacieron dos hijos, Javier y Marcelo, y se radicó en Córdoba. Con los años, intentó restaurar su vieja fama como parte del espectáculo, y lo logró con “Tango a Bordo”, con el que la aplaudió el público de América latina y de los Estados Unidos. Fué la consagración final.

Voz Varonil y Fraseo Delicado

2008-11-02T15:23:00.018-02:00

ÍDOLO DEL 40
(Julio Martel)

Pasar por la plazoleta de Munro que lleva el nombre de JULIO MARTEL es sentir la satisfacción de que, por fin, se le ha rendido el homenaje en vida a una de las grandes voces del tango.

Con el nombre de Julio Harispe, nació el 6 de agosto de 1923. Su debut se produjo como vocalista de la Orquesta Samalvide, en 1939, pero el éxito recién le llegaría cuatro años más tarde, cuando Alfredo De Angelis lo convocó para cantar en su agrupación, compartiendo la faz vocal de la misma con el muy popular Carlos Dante.

En setiembre de aquél 1943 apareció la primera grabación de Martel con De Angelis, el tango “Que Buena es”. Luego vendrían una infinidad de páginas recreadas por su voz comunicativa y particular: “Girón Porteño”, “Rosicler”, “Chorra”, “La Vida me Engañó” y tantas otras. O aquellos inolvidables dúos con su compañero Dante: “Ilusión Azul”, “Del Pasado”, “Pobre Flor”, “Pregonera”...

Los gloriosos bailes en clubes de barrio, sus actuaciones en la popularísima audición radial “Glostora Tango Club” y los discos de Odeón consagraron a Martel como una de las voces que más hondo calaron en el pueblo, allá por los dorados años ´40.

En 1952 se desvinculó de don Alfredo para pasar al conjunto de Oscar Castagnaro. En 1953 protagonizó la película “El Ídolo del Tango” y continuó su labor como solista, hasta que los años lo llevaron a silenciar su canto. De ese modo, no debió competir en desventaja con sus viejas grabaciones, como les ocurre a tantos veteranos cantores.

Hoy, y desde 1992, en la plazoleta de Vélez Sársfield y Fleming, una placa hace justicia a una de las grandes voces del ´40: “El pueblo de Munro a su ídolo popular”. Julio Martel –el lector estará de acuerdo- se lo merece. Fallece el 19 de febrero de 2009 a los 85 años de edad.

Una Historia para Contar

2008-10-24T03:00:00.018-02:00

¿DONDE ESTAS CORAZÓN?
(Tango Canción)

Una Obra que desde que ingresó al repertorio de los intérpretes ha ganado su favor por su gran repercusión en el público, es sin duda "DONDE ESTAS CORAZÓN" perteneciente al maestro Luis Martínez Serrano y nuestro conocido Augusto Pedro Berto. ¿Pero quien era Luis Martínez Serrano?. Ahí comienza la historia que queremos contar, por considerarla por demás interesante.

Fue un músico y compositor de origen español, nacido en Barcelona el 17 de Diciembre de 1900 que, al igual que otros compatriotas suyos llevó a cabo buena parte de su carrera en América.
El residió con sus padres entre 1907 y 1923 en Buenos Aires, donde estudió música en el Conservatorio del diario La Prensa perfeccionándose con los grandes maestros Alberto Williams y Ernesto Drangosch.
Durante las actuaciones que cumplió en 1921 en la capital argentina, fue pianista de la famosa "cupletista" Teresita Zazá (Teresa Marval) que le estrenó varias de sus obras como: "Hijo mío", "Pajarito Cantor", "Presentimiento", "Mujercita mía" y "Pobre madre".
Después se radicó durante 5 años nuevamente en México desde donde emprendió varias giras en las cuales volvió tres veces a Buenos Aires y en una de ellas se radicó en Chile, por espacio de 12 años, y en 1943 asumió la gerencia de la Editorial PHAM de Méjico, país en el que falleció el 29 de Agosto de 1970.
Durante su primera estadía en Méjico, compuso la canción mejicana original ¿DONDE ESTAS CORAZÓN? para la revista México a la vista" puesta en escena en Diciembre de ese año en el Teatro Regis de la capital azteca, interpretada por el trío integrado por las hermanas Ascencio y Julia Garnica.
¿Como se originó entonces la participación de Berto en la autoría de la obra?. En 1927 este integró junto al violinista Remo Bolognini y el pianista Roberto A.Tacchi un trío que actuaba en las presentaciones de la companía teatral de Camila Quiroga con la cual llegaron a Méjico. Allí escuchó esta bella composición de Martínez Serrano con quien probablemente se conocieran de Buenos Aires y con quien convino hacer el arreglo como tango comprometiéndose a obtener su difusión a cambio de lo cual participaría en un 50% del producido de los derechos de autor.
Tal la explicación acerca de la "autoría" de Berto del tango "Donde Estas Corazón? que pertenece como canción mejicana integralmente al español Martínez Serrano.

Compositor de páginas Memorables

2008-10-19T18:27:00.017-02:00

TALENTOSO RENOVADOR
(Armando Pontier)

Poner en el tocadiscos obras como “Trenzas” (letra de Homero Expósito), “Anoche” (Cátulo Castillo), “Margo” (Expósito), “El Milagro” (Expósito), “Tabaco” (José María Contursi), “Corazón, no le Hagas Caso” (Carlos Bahr), “Bien Criolla y Bien Porteña” (Expósito), “Cada día te Extraño más” (Bahr), “Milongueando en el 40” o “A los Amigos” es encontrarse con parte de lo mejor de la canción de Buenos Aires.

El compositor de tales páginas memorables es ARMANDO PONTIER, que nació en Zárate, el 29 de agosto de 1917, con el nombre de Armando Punturero. Debutó en la ciudad de Buenos Aires en 1937, formando en la fila de bandoneónes de la orquesta de Juan Elhert, que había sido su maestro de solfeo, armonía y composicíon.

Pasó luego, a la Orquesta de Las Estrellas, la inolvidable y estupenda típica de Miguel Caló, semillero de músicos de enorme trayectoria posterior.

El 1º de setiembre de 1945 debutó con su propia orquesta, cuya dirección compartía con Enrique Mario Francini. Los novedosos arreglos, la calidad de los solos instrumentales y el estilo evolucionista que muestran sus interpretaciones, erigieron a la agrupación Francini-Pontier en uno de los conjuntos de mayor jerarquía de su tiempo y de la historia del tango.

En 1955 –exactamente a diez años de su formación-, el binomio Francini-Pontier se desintegró, habiendo marcado un verdadero hito en la trayectoria de la interpretación tanguera. A partir de entonces, Pontier pasó a dirigir su propia orquesta, con la cual llegó al Japón.

Otros de los tangos surgidos de la inspiración de este destacado hombre de la generación del ´40 son: “A Zárate”, “¡Que Falta que me Hacés!”, “Poema de Arrabal”, “A la Guardia Vieja”, entre muchos más.

Personalidad artística - literaria de Diversos Matices

2008-10-19T18:09:00.010-02:00

UNA VIDA DE ÉXITOS
(Enrique P.Maroni)

Enrique Pedro Maroni había nacido en la localidad bonaerense de Bragado, el 17 de marzo de 1887, y falleció en Buenos Aires el 30 de diciembre de 1957. Fué, además de poeta, compositor, autor teatral y locutor radiofónico (speaker, se le decía entonces).

Reunió su poesía en cuatro libros, a los que tituló “Arreando Sueños”, “Camino de Violetas”, “La humilde cosecha” y “Versos de Maroni”. En teatro produjo 53 obras, entre ellas, “Un Programa de Cabaret”, “Adelante los que Quedan” (ambas a medias con Pascual Contursi), “Los Gorriones”, “En la Puerta de un Boliche”. Como hombre de radio, trabajó en las emisoras Prieto, Mayo, Splendid y Rivadavia.

Entre sus muchos tangos se cuentan “Micifuz”, “La Borrachera del Tango”, “Cicatrices”, “Entre Sombras” (los cuatro con Adolfo R.Avilés), “El Poncho del Olvido” (Avilés y Orfeo Giúdice), “Chola” (Antonio Polito), “Compañero” (Juan de Dios Filiberto), “Hipólito Yrigoyen” (con música propia), “Me lo dijo el Corazón” (Enrique Maciel) y “La Cumparsita” (en colaboración con Contursi y música de Gerardo Matos Rodríguez).

En otros géneros, le pertenecen “Tortazos” (José Razzano, Luis Casaravilla Sienra), “Tradición Gaucha” (Ignacio Corsini), milongas “La Carreta” (Avilés), “Machaza mi Suerte” (Francisco Pracánico), zambas “Rosal de Amor” (Domingo Riverol), “Por una Mujer (Maciel), valses, etc.

Sin duda, el más célebre de sus poemas es “Apología del Tango”, del que dejó una estupenda grabación Azucena Maizani: Tango que me hiciste mal/ y sin embargo te quiero,/ porque sos el mensajero/ del alma del arrabal,/ No sé que encanto fatal/ tiene tu nota sentida,/ que en la mistonga guarida/ del corazón se me ensancha,/ como pidiéndome cancha/ al dolor que hay en mi vida”.

Un canto de despedida a Aquello que no pudo Ser

2008-10-19T17:28:00.007-02:00

LA CHICA DE "EL ADIOS"
(Maruja Pacheco Huergo)

La muchacha –21 años en aquél 1937- se sentó al piano y...Mejor, nos lo cuenta ella misma: “Serían aproximada mente las dos de la madrugada, primavera en el tiempo, en la amplia sala mi madre y yo, ella tejiendo, yo, improvisando sobre el teclado algo que iba naciendo...

“Me gusta, terminala”, -dijo mi madre-. Sin darme cuenta, la obra quedó concluida. Mi madre volvió a decirme: “Que lindo si Ignacio Corsini pudiese escucharla”. Me entusiasmó la idea y me puse dar con el “Caballero Cantor”.

Corsini escuchó con atención toda la partitura, espontáneamente me dijo: “Tengo un amigo poeta, Virgilio San Clemente, él podría hacerle los versos”.

El 3 de febrero de 1938, Corsini llevaba al disco aquél tango de Maruja Pacheco Huergo (1916-1983) con letra de Virgilio San Clemente, titulado “El Adiós” (“Así tenía que llamarse: “El Adiós”, porque era un canto de despedida a aquello que no pudo ser”, refería la compositora).

De allí en más, lo grabaron no pocas de las voces célebres del cancionero universal: Alfonso Ortíz Tirado, Raquel Meller, Ranko Fujisawa, Pedro Vargas, Juan Arvizu, Fernando Albuerne y tantos otros.

Maruja (María Esther, en sus documentos) compuso otros tantos tangos: “Llámame”, “Tu Silencio”, “Tango del amor que Vuelve”, “Canto de Ausencia” (con Manzi), “Tango para una Madre” (con su esposo Ferradás Campos), etc. Y abordó inclusive, diversos géneros (Miguel de Molina lo popularizó en su tanguillo “El Sombrero de Jipi-Japa”), pero le bastó “El Adiós” para perdurar en la devoción popular.

Un rostro inconfundiblemente Misterioso

2008-10-19T17:11:00.008-02:00

UN ANGEL DE ARRABAL
(Marlene Dietrich)

Fué el de Marlene Dietrich uno de los rostros más sensualmente enigmáticos de la historia del cine. Cuando el director Josef Von Sternberg buscaba, mediante fotografías, a la protagonista para “El ángel Azul”, exclamó al verla: “Hermoso trasero, pero necesita un rostro”, al conocerla personalmente, corrigió: “¡es el rostro que buscaba!”.

En ese mismo año (1930), Marlene estrenaba en Berlín “Johnny”, del pianista y letrista Friedrich Hollaender. Era una canción lenta, acaramelada, pero su temática delataba la típica sensualidad del tango a la europea.

Así lo comprendió Marlene mucho después, cuando lo entonó en 1954, en el Café París, de Londres, mientras a sus espaldas la orquesta de George Smith machacaba precisamente un ritmo de tango. Y como tango, la actríz –cantante lo grabó siete años más tarde, secundada por Burt Bacharach, y haciendo un derroche de sex-appeal capaz de descongelar al alemán más inconmovible.

Todavía hoy, cuando volvemos a escucharlo, la sensualidad de la Dietrich amenaza desbordar el surco del disco con aquellos versos que –según hemos traducido- dicen: “Johnny,/ cumplilos muy felíz;/ ¡que fiesta te darás/ juntito a mí!/ Johnny,/ las cuatro y media dan/ y temo que me voy/ a retrasar./ Johnny,/ la noche es de los dos,/ yo misma voy a ser/ mi obsequio para vos.../ Johnny,/ ¿por qué los cumplirás/ un día de algún mes/ y nada más?...”.

Esta mujer, que pasó fugazmente por el tango, nació el 27 de diciembre de 1901 (¿o de 1898?) y falleció el 6 de mayo de 1992. Demostró poseer, además de un “hermoso trasero”, un rostro inconfundiblemente misterioso. Las dos apreciaciones de Sternberg –erotismo y talento- se funden a la perfección en su versión de “Johnny”.

El autor del popularísimo tango "El ciruja"

2008-10-19T16:24:00.009-02:00

ENTRE BACH Y AROLAS
(Ernesto De La Cruz)

Pese a que ejecutara el bandoneón, nada hacía sospechar que aquél jovencito –nacido en Concordia, Entre Rios, el 8 de septiembre de 1898 y radicado en Buenos Aires desde 1909- terminaría siendo intérprete y compositor de tangos. Su pasión ,por entonces, era la música clásica.

Pero, alrededor de 1920, la carrera musical de Ernesto Natividad de la Cruz dio el más inesperado giro. Acababa de componer un tango. Lo tituló “El Chinchorro”.

En 1923 estaba ya al frente de su Orquesta Típica. El debut de produjo en la Cervecería Alemana del Balneario Municipal, tres años más tarde componía uno de los clásicos de la música porteña “El Ciruja”, que estrenó en ese mismo 1926, mientras actuaba en el Café El Nacional, la letra de Alfredo Marino, fué entonada por el cantor Pablo Eduardo Gómez.

Ignacio Corsini fué el encargado de llevarlo al disco. Poco después hacía lo propio Carlos Gardel. De allí en más, sus tangos serían grabados por nombres de la talla de Juan Maglio “Pacho”, Agustín Magaldi, Rafael Rossi y muchísimos de los intérpretes tangueros posteriores.

Cuando lo conocimos, poco antes de que cumpliera 80 años, don Ernesto tenía en su haber unas mil composiciones, entre ellas, los tangos “El Batidor” (con Marino), “Los Bueyes” (Carlos de la Púa), “Hermano Tango” (Francisco Gorrindo), “De Frente” (Juan Carlos La Madrid), “Muchachada” (Lito Bayardo), “Cuando escucho un Tango viejo” (Julián Centeya), “El Poncho del Recuerdo” (Dante Linyera), “Es Inútil salvarnos” (Leopoldo Díaz Velez)...

Nos quedó, de la breve amistad que mantuvimos con el bandoneonista –breve porque falleció el 14 de noviembre de 1985-, el recuerdo de un ser humano humílde, noble y generoso. También inolvidable.

La Letra del Tango dentro de un Nuevo Estilo

2008-10-12T03:55:00.008-03:00

UN GRAN OLVIDADO
(Armando Tagini)

Armando José María Tagini (1906-1962) es uno de los grandes olvidados del tango. Muy pocos estudiosos se han preocupado por rescatar su biografía y su obra; sólo conocemos un único trabajo importante al respecto, el de Gaspar Astarita.

Sin embargo, fué uno de los más importantes letristas del tango. Tanto que, cuando apenas contaba con 21 años, nada menos que Gardel le llevaba al disco “La Gayola”, “Gloria” y “Perfume de Mujer”. Pero, además de letrista fué también compositor y cantor, hizo sus primeras armas como intérprete vocal, por Radio Brusa en 1926 y continuó cantando hasta 1933.

Evidentemente, el letrista que había en él terminó por eclipsar al cantor de tangos, que por otra parte, nunca llegó a grabar.

Precisamente como letrista logró conciliar en sus obras lo descriptivo con lo romántico y abrió así paso a la lírica de Homero Manzi, que bien podría definirse como una evolución de la de Tagini.

A su inspiración se deben los versos de “La Gayola” (Rafael Tuegols), “Gloria” (Humberto Canaro), “Mano Cruel” y “Buey Manzo” (ambos con Carmelo Mutarelli), “Esponjita” (René Cóspito), “Marionetas”, “Misa de Once”, “Perfume de Mujer” (los tres con Juan J.Guichandut), “Brujería” (Elvino Vardaro), “El Recodo” (Alejandro Junnissi), “El Cornetín del Tranvía” y “Menta y Cedrón” (ambos con Oscar Arona), “La Marcha Nupcial” (Juan V.Clauso), “Bajo Fondo” (Ciriaco Ortíz) y tantos otros.

Si, Tagini es uno de los grandes olvidados. Algunos de sus tangos, sin embargo, han quedado en la galería de los clásicos y en el corazón del pueblo.

Un Poeta de Refinada Inspiración

2008-10-12T03:40:00.008-03:00

LETRISTA COMPLETO
(Juan Andrés Caruso)

Juan Andrés Caruso nació en La Plata el 20 de septiembre de 1890 y murió en Buenos Aires el 1º de marzo de 1931. En 1917 inició su vinculación con el tango escribiendo la letra de “Cara Sucia” de Francisco Canaro.

Jorge Larroca, en su libro “San Cristóbal, un barrio olvidado” (Buenos Aires, 1969), da una nómina de los versos cantables compuestos por Caruso: sesenta tangos, doce valses, dos estilos, tres zambas, dos rancheras, una milonga, un pasodoble y una vidalita. Larroca aclara que su nómina no es completa.

Agreguemos que esas composiciónes más que de la inspiración del poeta son producto de la destreza del letrista. Por lo demás, Caruso –que inició su carrera literaria en el periódico “Hojas del Pueblo” de Bahía Blanca- fué autor de treinta y dos obras teatrales –cuya nómina aparece también en el mencionado libro de Larroca-, que lo mismo incluyen evocaciones históricas “El Tigre de los Llanos” (1924), “Juana de Azurduy” (1928) como piezas destinadas sólo a conquistar una fácil y rentable aceptación popular.

Con relación al tango “La Última Copa” cuenta Francisco Canaro en “Mis Bodas de Oro con el Tango” (Buenos Aires, 1957): Hallándome en París, en 1925 y siendo Caruso secretario-representante de la compañía Muiño-Alippi, me escribió pidiéndome música para un tango al que él pondría letra para ser estrenado por dicha compañía en el teatro Buenos Aires, en una obra de Julio F.Escobar titulada “La Última Copa”.

Correspondí gustoso al pedido del viejo y buen amigo de tantas horas, enviándole el tango que bauticé con el título de “La Pieza de Escobar”.

Una Figura dotada de Relieves Propios

2008-10-12T03:08:00.008-03:00

UN VIOLÍN LEGENDARIO
(Ernesto "El Pibe" Ponzio)

Ernesto Ponzio (conocido como “El Pibe Ernesto”) fué una leyenda en vida. Doblemente célebre como músico y como guapo, pasó su existencia entre el escenario y la cárcel.

Había nacido el 10 de julio de 1885, algunos creen que en Buenos Aires, pero en ciertos documentos policiales consta su orígen uruguayo: “Ernesto Ponzio es oriental”, “reside en el país desde muy pequeño”.

En 1898 -con apenas 13 años- ya había compuesto su primer tango. ¡Y que tango! Como que se titula “Don Juan”, es decir uno de los clásicos de la Guardia Vieja. En 1899 conformaba su primer conjunto con el violinista Genaro Vázquez y el flautista Luis Teisseire. En 1902 comenzaba a ser huésped de los calabozos, un proceso por lesiones daba inicio a su extensa incursión por las cárceles.

En 1929 –a un año de cumplida su última reclusión, esta vez en el penal de Ushuaia –Carlos Gardel le grababa su tango “Culpas Ajenas”. Además de las composiciones citadas, el mítico violinista compuso “Ataniche”, “¡Quiero Papita!”, “Contraflor”, “¿De quién es Eso?”, “Contámela que te Escucho”, “El Taura”, “ Salute con la Tachuela”, “18 Kilates” (Tangos); “Avellaneda”, “Milonga de mi Barrio”, “Los Inmortales” (Milongas); “Tardes Pampeanas”, “Al caer la Tarde” (Estilos) y varias obras más.

La prisión interrumpió una y otra vez su actividad artística, fué por eso que nunca logró dejar en discos el sonido de su violín. Sin embargo, podimos oírlo en la película “TANGO” (1933), con su Orquesta Típica de la Guardia Vieja, cuya dirección compartía junto a Juan Carlos Bazán.

El 21 de octubre de 1934 abandonó para siempre su instrumento y su facón; la muerte lo había reclamado.

Nos dejó sus tangos y su leyenda.

Un sonido Inconfundible

2008-10-12T02:17:00.011-03:00

UN GRANDE DEL VIOLÍN
(Enrique Mario Francini)

El hecho de que, desde 1958, haya sido primer violín de fila de la Filarmónica de Buenos Aires no quita que haya sido uno de los tangueros más auténticos. Es más, el caso de ENRIQUE MARIO FRANCINI se ha dado en otros músicos que supieron conjugar la música porteña con la clásica, desde Juan José Castro y los Bolognini hasta José Bragato y Fernando Suárez Paz.

Nacido el 14 de enero de 1916, luego de pasar por algunas orquestas como las de Juan Elhert y Argentino Galván, Francini integró la inolvidable y fundamental típica de Miguel Caló, semillero de virtuosos que a su tiempo, formarían sus propias agrupaciones de reconocida trascendencia. Entre ellos, Armando Pontier, con el que codirigió su primera orquesta, un conjunto de avanzada para la época que deleitó los oidos porteños durante una década.

Integrante de típicas evolucionistas, como lo fueron las de Galván y Caló, Francini podría estar al margen del movimiento de vanguardia. Así, en 1955, el OCTETO BUENOS AIRES que conducía Astor Piazzolla, lo contó entre sus instrumentistas. Posteriormente integró otras formaciones de indiscutible calidad, el septimino LOS ASTROS DEL TANGO –dirigido por Galván-, la orquesta LOS VIOLINES DE ORO DEL TANGO y el QUINTETO REAL.

Compuso sus tangos, valses y milongas –no pocos de ellos ya clásicos- “sólo con yuntas de lujo”, según sus propias palabras: Homero Expósito (“Oyeme”, “Azabache”, “Pedacito de Cielo”, “Ese muchacho Troilo”), Julián Centeya: (“Lluvia de Abril”, “La ví Llegar”), José Bahr: (“Mañana iré Temprano”) y entre los instrumentales “Tema Otoñal” y “Delirio”.

El 27 de agosto de 1978, se desplomaba en el escenario de CAÑO 14, mientras atinaba a decir “¡Mi violín!”.

Supo morir en su ley.

La Magia de un Creador

2008-10-12T01:44:00.008-03:00

TALENTO Y MODESTIA
(Horacio Salgán)

El 15 de junio de 1916 venía al mundo, para fortuna del tango, uno de sus grandes renovadores, HORACIO SALGÁN. Contrabajista y saxofonista, además de actuar profesionalmente en calidad de pianista, se inició como integrante de varias agrupaciones, entre ellas la de Elvino Vardaro y Roberto Firpo. En 1944 conformó su orquesta inicial, por la que pasaron voces como las de Jorge Durán, Oscar Serpa y Edmundo Rivero.
En 1957, ya disuelta esta formación, optó por un brevísimo conjunto, que se completaba con la guitarra de Ubaldo de Lío. En 1960 se les sumaron Laurenz, Francini y Ferro –luego reemplazado por Del Bagno- para constituir el Quinteto Real.
Acerca de su estilo interpretativo de marcada tendencia renovadora, nos informó “Yo llegué a tener un lenguaje, que apareció como cierta manera diferente, sin proponérmelo. El amor que le tengo a la música hizo que no me haya acercado al tango con la idea de cambiarlo. Mi lenguaje apareció como algo distinto, personal, pero sin que yo me haya propuesto semejante cosa”.
En su faz de compositor, Salgán ha dado una basta obra, algunos de esos títulos son ya clásicos del género: “A fuego Lento”, “Don Agustín Bardi”, “Grillito”, “Tango del Eco”, “La llamo Silbando”, etcétera.
A propósito de sus inspiradas melodías, nos ha señalado: “Dios me provee de algunas ideas que recibo modestamente y las escribo como puedo. Para mí, todo lo que es inspiración llega de otra parte, no de uno mismo”.
Talentosísimo músico, Horacio Salgan exhibe, por otra parte, una increíble modestia, que es precisamente la modestia de los grandes.

Especialista en Milongas

2008-10-12T01:34:00.009-03:00

UN CANTOR CON CARISMA
(Jorge Vidal)

Dos años transcurrieron para que JORGE VIDAL (realmente llamado "Orlando Vidal") le llegara la fama. Se había iniciado en 1946, cantando a dúo con Luis Peralta. Al tiempo continuó como solista, pero fué recién en 1948 cuando lo oyó Osvaldo Pugliese y no dudó en incluirlo como vocalista de su orquesta.
En ese mismo año accedió al disco –por supuesto, con Pugliese- con el tango de Benjamín Tagle Lara "Puente Alsina" que había sido un exito en la voz de Rosita Quiroga. La popularidad fué inmediata y a aquella grabación siguieron otros impactos como "Ventanita de Arrabal", "Barra Querida", "Vieja Recoba" y varias obras más que lograron ser recreadas por su voz.
En 1951 decidió retornar a la labor de solista, pero ahora con el cimiento del exito obtenido al lado del autor de "La Yumba". Debutó en Radio El Mundo, con el acompañamiento de las guitarras de Remersaro, Gatti, Moreno y Vila. Posteriormente fué elegido para protagonizar nada menos que a Carlos Gardel en un programa radial ("La Vida del Zorzal Criollo") y en otro televisivo ("Lo llamaban el Morocho").
Desde "Milonga Fina" y "La Vieja Serenata", con los que inició su labor discográfica como solista, una gran cantidad de 78 RPM y Long Plays hablan de su repercusión entre el público tanguero, repercusión que también obtuvo fronteras afuera del país.
La labor tanguística de JORGE VIDAL no se agotó en el canto; también es un inspirado compositor y le pertenecen páginas como "Cuando Yo me Vaya", "Sin Historia", "Palpitando el Escolaso", "Pa’las Sierras" y otras.
En su exitoso repertorio se destacaron siempre las milongas reas, de las que supo hacer creaciones incomparables, al infundirles su particular gracejo cachadoramente porteño, tan porteño como que nació en Caballito, el 12 de octubre de 1924.

El Tango en el Cine

2008-10-11T21:25:00.015-03:00

EL "TANO FIORE" EN EL CINE

Francisco Fiorentino

Luego del estreno de la película "TANGO", primera filmada en el país, sonorizada por el sistema "Movietone" con incorporación del sonido en la película de celuloide y tras el exito de esa y otras que le siguieron de inmediato, se multiplicaron en distintos puntos, los intentos por abordar la realización cinematográfica por el nuevo sistema.
La pujante ciudad de Rosario tuvo su incipiente cinematografía sonora y a ello nos referimos en esta ocasión, a propósito de una intervención del "Gorrión" Fiorentino en uno de los emprendimientos allí encarados.

Corría el año 1937 y el 18 de Febrero se estrenaba en el cine Astral de la calle Corrientes, la película "VIEJO BARRIO" producida por el sello "N.I.R.A." bajo la dirección de Isidoro Navarro, autor también del argumento, con una duración de 78 minutos que fué filmada en un estudio instalado en la Avda Francia Nº 852, de aquella ciudad, siendo técnico de sonido Alberto R.Roca, escenógrafo el Arq. E.De Lorenzi que tuvo por colaborador al pintor escenógrafo J.Rolando, fotógrafo N.Dissie; Jefe de máquinas Domingo Scalzo, siendo procesada en laboratorios Cristiani.
El elenco estuvo integrado por Judith Peters, José Giorgi, Arturo Del Valle, Nicolás Dupuy, Apolo Ravasi, Pepe Isaza, secundados por Alfredo Bogado, José Teijo, Arístides Grimoldi, Silvio Guaragna, Raquel Iturbe y Emilio Karchheart.
El recordado "Fiore" que interpretó el tango que daba título a la película "VIEJO BARRIO" con letra de Ayala Gauna y música de José Sala, compartió la interpretación de los tangos con figuras locales como las cancionistas Juanita Larra, Argentina Rojas, los cantores Carlitos Lavalle, Ricardo Faglia y el dúo Talamo-Yuvone, mientras que la parte musical estuvo a cargo de la jazz "Chicaguito" y la típica de José Sala, autor además de la música del film y, que debemos recordar, es el mismo que años después llegaría a Buenos Aires con su orquesta y dos cantores, ellos son Alfredo Belussi y Carlos Yanel (Siro San Román).
Aparentemente en Rosario hay una copia del film, de otra publicación rosarina extraemos lo siguiente: ...en todo lo que se fimó (en Rosario) con la ilusión de crear aquí un centro de producción con más ingenuo entusiasmo que reflexiva estimación, de lo serio y difícil del intento, no hubo ninguna obra de auténtica significación. Casi todas ellas llegaron a las carteleras de Buenos Aires -Viejo Barrio se estrenó allí en el verano de 1937- pero no sirvieron para despertar interés acerca de las posibilidades que podría tener este movimiento cinematográfico rosarino, mantenido a lo largo de cerca de veinte años, para agregar más adelante, "Bien es cierto que aquí tampoco se preocupó ninguno de los que hicieron cine por atraer a los que lo hacían en Buenos Aires.
Salvo el recurrir ocasionalmente a algún artista o algunos técnicos procedentes de aquella capital, todo se hacía con los de casa y no muy organizadamente.
La improvisación desde el director a los intérpretes, fué la característica dominante.

HISTORIA DEL BANDONEÓN

2008-08-03T05:33:00.040-03:00

HISTORIA DEL BANDONEÓN

ORIGEN Y ETIMOLOGIA

Como es público y notorio, el bandoneon no es oriundo de nuestras tierras. Nació en Sajonia, en un lugar llamado entonces Chemnitz, a comienzos del Siglo XIX. Alemania es, pues, la cuna de este instrumento que identifica al tango argentino

El Inventor del primitivo bandoneón fue el alemán Carl Friedrich Uhlig (1789-1tierras. Nació en Sajonia, en un lugar llamado entonces Chemnitz, a comienzos del Siglo XIX. Alemania es, pues, la cuna de este instrumento que identifica al tango argentino 874), tambien creador de las concertinas. Los primeros acordeones que se habian fabricado en el mundo fueron su fuente de inspiración. Para la feria de Leipzig, Uhlig construyó un pequeño instrumento de cuatro lados rectangulares, con cinco teclas de cada lado, que fue perfeccionando y ampliando luego hasta llegar a treinta y ocho teclas.

En 1840, el invento fue motivo de interés para el profesor Heinrich Band, de Crefeld, que modificó notablemente el instrumento original y comenzó a fabricarlo para su comercialización. Del apellido Band -y de Band-Union, firma que se encargó de esta primera comercialización- proviene el nombre "bandoneón" y los otros sustantivos que lo definen: "bandonio", "bandonión", "bandoleón", "bandolión" y "bandola", que es el nombre cariñoso que le daban muchos de sus cultores ya en nuestro siglo, y hasta el presente.

La época de oro en la construcción de bandoneones arranca en 1864, cuando Alfred Arnold, también de Sajonia, encara la producción de los mejores instrumentos que se hayan conocido. Llevan como marca las iniciales del fabricante "A.A". Hacia 1911, la fábrica lleva en su nombre ya el bandoneón "Alfred Arnold Bandonion, Konzertin und Piano Accordion Spezial Fabrik". Y desde principios del siglo XX, la Argentina se convierte en el principal consumidor, a través de la firma importadora Emilio Pitzer y la famosa casa "Mariani", de la calle Paraná.

LLEGADA A LA ARGENTINA

Nada se sabe con certeza sobre la entrada del bandoneón en el país del tango. En lo único que coinciden todas las conjeturas, teorías y supuestos, es en que fue un marinero de ultramar quien desembarcó en el Rio de la Plata con su instrumento a cuestas.

Augusto Berto sostenía que ese marinero había sido Thomas Moore, "El Inglés". Otros testimonios indican que el primero fue un brasileño conocido como "Bartolo", allá por 1870. Otros dicen que unos años antes de esa fecha, en 1865, José Santa Cruz fue a la Guerra de la Triple Alianza llevando un bandoneón pequeño. Y otros mencionan el nombre de un tropero de carros apodado "Pascualín", que habría traído de Alemania la primera muestra.

Lo que sí es seguro es que para 1890 ya sonaban en Buenos Aires varios bandoneones, en locales de los suburbios, dando origen a la primera generación de bandoneonistas, encabezada por el legendario Sebastián Ramos Mejía, recordado como "El Pardo Sebastián".

Astor Piazzolla y su bandoneón

QUE ES Y COMO ES

El Bandoneón es un instrumento portátil de viento, y más precisamente un aerófono, accionado a fuelle y con doble botonera. Posee dos cajas armónicas en cuyo interior se producen vibraciones de un sistema de lengüetas metalicas, por acción del aire presionado.

El modelo considerado definitivo es, a diferencia del primitivo, diatónico:produce unos sonidos al abrir el fuelle y otros al cerrarlo. Es un paralelepípedo que mide, cerrado, unos 35 centímetros de frente, 23 de altura y 25 de fondo. Abierto, su frente puede alcanzar un metro. Consta de 71 teclas (38 en la caja del canto, 33 en la de abajo) y produce, por lo tanto, 142 voces. La caja es de madera enchapada -pino,haya-abeto- y el fuelle de bandana, cartón y accesorios metálicos. En la parte media de las dos tapas posee correas ajustables para las manos.

Algunos ejecutantes han ampliado las posibilidades con modelos más complicados, como el de 98 teclas construido para Angel Ramos, o el del célebre "Minotto" Di Cicco, de 118.

La parte correspondiente al canto abarca una extensión de tres octavas, y la del bajo un poco menos. El instrumento ofrece una variada gama de posibilidades melódicas, rítmicas, armónicas y contrapuntísticas.

LOS PRIMEROS BANDONEONISTAS

Vicente Greco

Hay coincidencias en señalar como la primera gran figura del fuelle al mítico "Pardo Sebastián". Sebastián Ramos Mejía fué un negro, descendiente de esclavos, que vivía a fines del siglo pasado de su trabajo como cochero de "tranway". Se supone que empezó a tocar, con un instrumento primitivo, en un bodegón de Canning y Santa Fé, alternando tangos con valses, polcas y mazurcas.

Además del "Pardo", surgieron en los albores otros instrumentistas como Bartolo El Brasileño y Tomás El Inglés, ambos sindicados como posibles introductores del bandoneón en la Argentina; Antonio Chiappe, que estrenó el famoso vals "Los Patinadores" y lo tuvo como caballito de batalla en sus actuaciones; Ciriaco Ortíz, "El Viejo", un cordobés que hizo conocer el fuelle en su provincia y fue padre del famosísimo bandoneonista Ciriaco Ortíz; José Santa Cruz, padre de Domingo y Juan, autor el primero de "Unión Civica", y "El Ciego Ruperto", del que se conservan escasas referencias. Inmediatamente después surgen Domingo Repetto, Sebastián Vázques, Antonio Solari, Domingo Cichiti, Pablo Romero, Alfredo Fratini, Manuel Firpo y Domingo Biggeri. Estos dos últimos fueron los primeros en tener acceso al disco.

En la primera década del siglo presente aparecen ya varios "monstruos" del fuelle que dejarán una huella imperecedera e impondrán escuelas de interpretación. Nombres como los de Vicente Greco, Juan "Pacho" Maglio, Augusto Berto, Arturo Bernstein ("El Alemán"), Genaro Spósito ("El Tano Genaro") y Domingo Santa Cruz ("El Rengo"), entran en la historia del tango junto al legendario Eduardo Arolas, apodado "El Tigre del Bandoneón". Surgen también Graciano De Leone, "Mochila" González, Pedro Polito, Ricardo Brignolo y Vicente Loduca, un instrumentista cuya vida fue una novela de aventuras, y de cuya habilidad con el fuelle han quedado testimonios grabados de mucho valor; en la "Antología del Tango Rioplatense Vol I", editada en 1980 por el Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega, aparece una grabación suya como solista en un tema propio (" El Argentino") grabado en París en 1913. Un año antes, Juan "Pacho" Maglio había registrado el primer solo de bandoneón grabado: el tango "La Sonámbula". Por estos años surge también Osvaldo Fresedo, que en 1917 deja importantes grabaciones como solista de bandoneón.

DEL 20 EN ADELANTE

Eduardo Arolas a los dieciocho años (1910)

Al llegar la década del veinte, la ejecución del bandoneón comienza a dividirse en estilos y escuelas. Una de ellas continuaba la linea de los primeros y grandes maestros, y su figura máxima fue Anselmo Aieta, iniciado en 1913 en un café de Avellaneda, en reemplazo nada menos que de Eduardo Arolas, para un trío que completaban el violinista Monelos y Agustín Bardi en el piano. Aieta tuvo una enorme repercusión popular, y se dice que más de una vez causó la interrupción del tránsito en la Corrientes del Café Nacional.

Otras figuras importantes fueron Juan Bautista Guido ("El Lecherito"), Alejandro Scarpino ("El Rey de las Variaciones"), Pedro Polito, Roque Biaffore y la primera mujer bandoneonista: Francisca "Paquita" Bernardo. Nacida en 1900, Paquita debutó a los 21 en el café Dominguez, con enorme suceso. En 1923 hizo una gira por Montevideo, asombrando al público oriental. Murió en 1925, en plena juventud, sin haber dejado ningún testimonio discográfico.

La otra línea que se estableció por los años 20, fué la de los intérpretes empeñados en una superación técnica que permitiera extraer del instrumento las mayores posibilidades de expresión. En estas filas aparecen genios del fuelle como Pedro Maffia, Pedro Laurenz y Ciriaco Ortíz.

Maffia fue una figura fundamental en la evolución de la técnica del bandoneón. Debutó profesionalmente en 1913, con apenas 13 años de edad, en el circo "Fontanella", acompañado por el violinista Fausto Frontera, y a partir de 1920 comenzó con su aporte creador: los fraseos acelerados o ralentados, los matices, los arrastres, los adornos y las variaciones que lo convirtieron en único.

Laurenz, aunque nacido en Barracas, estudió y debutó en Montevideo, Uruguay, en un café del Cerro, en 1920. Vino a Buenos Aires en 1922, ya con un firme prestigio, y comenzó a destacarse en un trío que completaban Casanovas y Marischi, para convertirse de inmediato en primera figura.

De gran temperamento, Laurenz incorporó su sonoridad brillante, sus efectos de síncopa y sus impecables variaciones, dentro de una modalidad distinta a la de Maffia.

Ciriaco Ortíz estudió el bandoneón en Córdoba, con su padre, uno de los precursores. En 1917, cuando tenía 9 años, recibió además algunas enseñanzas de Arolas, de paso por la ciudad. Su fama como bandoneonista arrancó alrededor de 1923, en las aristocráticas veladas del club marplatense "Pueyrredón". Sin ser un gran técnico, Ortíz introdujo un fraseo muy particular, de gran colorido, utilizando adornos y fiorituras que hacían "cantar" al instrumento.

Otras figuras relevantes de esta vertiente son Enrique Pollet ("El Francesito"), de famosa yunta con Laurenz, y Luis Petruccelli, de vasta actuación en los cuadros de la grabadora Víctor.

La tercera de las tendencias fue la que integraron los instrumentistas que dieron preponderancia a la técnica sobre cualquier motivación emocional. Aquí aparecen también figuras claves para quienes el fuelle no tuvo secretos: Minotti Di Cicco ("Minotto") y Carlos Marcucci fueron los virtuosos mayores.

Marcucci fué un niño prodigio como violinista. El bandoneón lo estudió con el "Alemán" Bernstein, y debutó en un trío de pibes, a los nueve años de edad, junto a Orsi en el violín y nada menos que Riverol en guitarra, en 1912. De 1920, en adelante, lució su virtuosismo en distintas agrupaciones y viajó a París con Canaro. Su asombrosa digitación y su precisión matemática le valieron la admiración del mundo. Es autor, además, del "Método para Bandoneón" que ilustró durante décadas a maestros y discípulos.

Minotti Di Cicco -"Minotto" o "Minoto"- nació en Uruguay, de padre acordeonista, y se radicó en Buenos Aires a los 25 años, en 1923, luego de varios cruces del Rio de la Plata para diversas presentaciones. Su virtuosismo no carecía de calidez, y su constante afán de evolución desembocó en la creación de bandoneones especiales. Se hizo construir un instrumento de 118 teclas en 1937, y un año después creó el "bandoneón eléctrico", con micrófonos de contacto aplicados a las cajas armónicas. Su nombre aparece en la primera versión discográfica de "La Cumparsita". De esta corriente, merecen destacarse también los nombres de Federico "Freddy" Scorticati, también uruguayo, y Angel Ramos, nacido en España.

2007-11-06T04:50:00.014-03:00

CARLOS GARDEL & LA LÍRICA

En 1916 Gardel asistió asiduamente a la temporada oficial del Teatro Colón. Fúe el año en que Camilo Saint Saens dirigió su “Sansón y Dalila” con la Royer Laffitte, Joumet y Dentale, Gardel se deleitó con las voces de la Agostinelli, la Dalla Rizza, la Raiza, Schipa, Merli, Tita Ruffo, Crabée, Crimini y Martinelli.

Asombrado por la voz del tenor Giovanni Martinelli en “Lucía de Lammermoor” le comentó a Razzano que lo acompañó a la función:¿Viste Pepe? ¡le salían pedazos de oro de la garganta!

Ese año conoció a una debutante en Buenos Aires la soprano Ninon Vallin. En 1929 la visitó en París para que esta le controlara su voz. La Vallin lo escuchó con suma atención y luego de elogiarlo lo incitó a abordar el campo operístico.

El 9 de julio de 1928 con motivo de festejarse la fecha patria, Radio Prieto transmitió un programa especial con la participación de la famosa soprano Adelina Agostinelli, Carlos Gardel y Agustín Magaldi, entre otros.

Gardel manifestó su profunda admiración por la Agostinelli. Idéntica actitud adoptó Magaldi amante de la lírica, que llegó a actuar como extra en Pagliacci en 1915 en Rosario, cuando lo interpretó el Gran Caruso, junto a nuestra compatriota Hina Spani. Inútil insistir en la pasión de Gardel por el arte lírico. Su chofer Antonio Sumaje testimonió:”Cuando estaba en Buenos Aires, yo solía conducirlo al Teatro Colón, generalmente iba acompañado, ocupaba un asiento en la tertulia, era devoto de las operas.

Hubiera sido el primero disgustado si eso se hubiera conocido y comentado porque podría haberse interpretado como una vulgar pose. Y la pedantería y el amaneramiento repugnaron siempre al muchacho campechano y sencillo que fue Carlitos.

Armando Defino brindó un interesante testimonio:”Su ductilidad la había adquirido, según él mismo expresaba, escuchando a grandes cantantes y aunque su registro era de barítono, pudo muy bien ser tenor y sabía que si lo quería podía hacerlo sin esfuerzo. Me decía que al salir de los teatros, cantaba para si mismo interpretando las partituras de tenor, contralto o barítono, inclusive abordando la parte del coro, tratando de armonizar las segundas y así iba formando su voz.

Cuando Defino conoció a Gardel en 1914 en el Café Los Angelitos, éste estaba rodeado por la barra de amigos:Ernesto Laurent, Armando Deferrari, Francisco Ducasse y Elias Alippi. Narra Defino que cuando estaba presente José Razzano “el dúo entonaba algunas canciones y especialmente dúos de trozos de opera, en las que a menudo terciaba Ernesto Laurent, sin caudal de voz pero con un amplio sentido de la armonia”.

Otros de los medios que utilizó Gardel para escuchar a los grandes de la lírica fueron los discos. Razzano recordaba que solían escuchar juntos esas grabaciones que atesoraban con cariño. En la calle Victoria entre Solís y Entre Rios, cerca de donde Gardel poseia un espacioso departamento, existía la cantina Capo Di Luppo, cuyo dueño Francesco Di Luppo, atendía personalmente a grandes artistas líricos que frecuentaban su establecimiento luego de las agotadoras funciones. A esa cantina concurría Gardel, en el fondo del local estaba ubicado un gran gramófono de bocina verde con una gran estantería colmada de discos que los cantantes obsequiaban al dueño.

Gardel llevaba sus grabaciones líricas y allí las escuchaban los comensales en respetuoso silencio. Obviamente Gardel aprovechaba la oportunidad para escuchar las novedades discográicas cedidas por los artistas líricos.

Esta cantina funcionó hasta fines de 1925.

Un día pasó a visitar a Carlos Gardel el cantante Agustín Irusta, lo atendió doña Berta, la amable señora lo condujo hasta una pieza ubicada en los altos de la casa. Gardel lo recibió con una amplia y franca sonrisa:Pasá, estoy escuchando unos reos.!Los reos eran Enrico Caruso y Titta Ruffo¡.

El violinista y arreglador musical Terig Tucci, en su libro “Gardel en New York” narra que Gardel concurria habitualmente al Metropolitan para deleitarse con La Bohéme, Carmen y Otelo.

Felipe Sassone, escritor y periodista, publicó recuerdos de Gardel en la revista española “Blanco y Negro” en su número del 7 de julio de 1935, Sassone evocó:”Gardel cantaba a la italiana, dominando la melodía como un virtuoso del “bel canto”, interpretando una aria de ópera o una canción de Tosti o de Mario Costa...”.

¿Has estudiado? le pregunté un día.

Yo solito nomás. De tanto oir a los grandes,che. Canto opera también, no te vayas a creer...

Y se empeñó en que cantáramos juntos el dúo del segundo acto de La Forza del Destino.

Andá, yo te hago el barítono. Me lo enseñó Scotti en Londres ¿Te acordás de Antonio Scotti? lo cantaba con Caruso.

Yo me negaba, mirá que La Forza del Destino tiene mala pata, es de mal agüero.

No seas sonso y supersticioso, che. Andá, empezá.

Solenne in quest’ora...cantamos el dúo y al finalizar, la gente del “set” aplaudió a rabiar.

Gardel siempre cuidó su voz. Recurrió a menudo a maestros de canto en Buenos Aires y en el exterior. Pese a ello fumaba con exceso.

El maestro de canto Eduardo Bonessi, definió así su voz:”Era de una calidad extraordinaria y de un timbre maravilloso para el tango, tenía un registro de barítono brillante y jamás desafinaba”. En cuanto a su tesitura, su extensión alcanzaba a dos octavas, que manejaba a plena satisfacción. Era una buena extensión para un cantor popular. Gardel poseía un gran temperamento-expresivo al máximo- y estaba dotado naturalmente de un instrumento en la garganta. Un instrumento que luego perfeccionó y supo conservar...

Tenía una laringe completamente sana y era una de las razones por las cuales le resultaba fácil pasar de los graves a los agudos y viceversa...”

2007-11-06T04:18:00.016-03:00

YA NUNCA ME VERAS COMO ME VIERAS

(EL BARBA)

Algunos dicen que Pompeya (Que el poeta describió en “Sur”, “Barrio de Tango” y “Mano Blanca”) no cambió demasiado. Pero se extrañan varios lugares citados en los tangos.

El emblemático cruce de la Avenida Centenera y Tabaré, en el mismo corazón del barrio de Pompeya, rescata la figura de uno de los más trascendentes poetas del tango, Homero Manzi.

La esquina “Manoblanca”, como una de sus canciones la recuerda, permite con la imaginación viajar en el tiempo, volviendo a la época de las casas pequeñas, acompañadas del viejo terraplén y ordenadas por calles lejanas, llenas de luna y misterio.

Un día cualquiera de 1947, Manzi, cuyo verdadero nombre era Homero Nicolás Manzione Prestera, se sentaba en una mesa del café “El Aeroplano”, en la esquina noroeste de San Juan y Boedo, el que luego se llamó “El Canadean” y más tarde fué “La Esquina de Homero Manzi”.

Se había citado en ese café con las musas, y las musas concurrieron puntualmente. De ese encuentro surgieron las estrofas de uno de los tangos más perdurables: “Sur”, que junto a “Barrio de Tango” y “Manoblanca” inmortalizarán en poesía el barrio de Pompeya.

A años de existencia de “Sur”, con música de Aníbal Troilo, es que nos acercamos al barrio para ver los cambios que se han hecho desde entonces, pero no desde el 47, sino desde mucho más atras, de cuando Homero estaba como pupilo en el Colegio Luppi, ubicado exactamente en Centenera y Tabaré, desde los 13 a los 16 años, en el cual desde la ventana de su dormitorio podía ver el paredón, el almacén y la esquina del herrero, que años más tarde plasmó en sus versos del tango mencionado.

Y a esas mismas calles volvió después, a sus veintitantos años a cometer un amor; Juana “La Rubia”, a visitar a Manoblanca, hijo del tropero Musladino, cuya casa separaba la entrada de caballos para la herrería y la vereda donde se estacionaban los carros, todo por Centenera, desde Tabaré hasta un poco pasando lo que es hoy la Librería de Cora, en Centenera y Cóndor.

Por entonces no existía la cortada Colombo Leoni, nombre del director del Colegio Luppi, que quedaba al frente, tampoco existía la salida a Centenera de la calle Cóndor. Se puede constatar eso, porque figura en los planos de 1932, que Homero Manzi hizo como guía del automovilista.

En esa guía, Homero marcó donde estaba la herrería y de allí se desprende lo importante que había sido para él la existencia de ese establecimiento frente a su ventana del Colegio Luppi.

De la manzana triangular donde estaba el colegio, Centenera, Esquiú, Homero Manzi- no queda casi nada de lo que Homero menciona en el tango “Sur”. Ahora se encuentra un bar, locales con cortinas metálicas y un cantero redondo con algunas flores silvestres. Casi no se puede encontrar el pasado.

En la cuadra de Esquiú y Tilcara, donde estaba el almacén y al cual Homero hace mención, hoy se ha transformado en un estacionamiento. El Colegio Luppi, donde el poeta cursó sus estudios desde 1920 hasta 1923 pasó a ser un bar con locales comerciales. El paredón se hallaba a unos pocos metros de ahí.

“El terraplén sigue estando, el que se extendía desde la Avenida Saenz hasta Villa Soldati, el tren sigue pasando por arriba. Cuando él menciona “Un Farol balanceándose en la barrera” eran las vías que iban hacia el Oeste, donde ahora se encuentra la Avenida Perito Moreno.

La luz de almacén era la de un bar de la familia Serventi, donde se jugaba a las bochas y tenía despacho de bebidas y almacén. Homero desde su dormitorio veía la lucesita mortesina de un farol. Ahora hay una playa de estacionamiento y enfrente un establecimiento”.

La inundación de la que habla Homero aún sigue ahí. La zona era de terrenos bajos e inundables, de modo que las lluvias torrenciales creaban peligro. El agua avanzaba con todo, por eso hicieron terraplenes para detenerla.

“Sur” se puede decir que lo escribió un poeta que tenía la memoria de cuando era chico y observaba. Es un tango que sintetiza el paisaje sin ninguna fantasía. El paredón seguramente era el de la curtiembre Luppi, y ahí sigue estando, con leyendas escritas en él, de un pasado imborrable, a lo largo de la calle Esquiú.

El Instituto Histórico de la Ciudad investigó el tema de los lugares que se mencionan en “Sur”, para constatar su veracidad. En uno de sus expedientes analiza la esquina de Esquiú y Tilcara: “Tenía una vidriera donde bién podía haberse recostado Manzi”, dice. Y hasta habla del perfume de yuyos y de alfalfa, vegetación profusamente extendida en la época.

Alguna vez dijo Manzi: “La herrería perfuma todo el barrio con su olor a caballo y revive en mi recuerdo la sinceridad de las horas vividas para adentro”, horas que supo cristalizar en las letras de sus tangos para dejar impreso un cálido mensaje de amor a ese barrio.

El Alfalfar estuvo hasta 1940, Juana “La Rubia” vivió largos años en esa casa de la calle Corrales al 1200, a dos cuadras del famoso boliche y donde estaba la barrera donde se balanceaba el farol.

Un lugar de Pompeya, un barrio de casas bajas con reminiscencias de provincia por la Avenida Cruz, por los pasajes. Barrio de talleres mecánicos y corralones de materiales. Casas amplias y flores silvestres junto a las vías.

Pero Pompeya se ha transformado, pese a los recuerdos de los memoriosos, de los nostálgicos, ya no es la del tango, el escenario aquél donde Homero Manzi se inspiró para escribir “Sur”, ahora es “arena que la vida se llevó...”, mal que nos pese.